Ágora de música

Chuck Mangione: Grandes Éxitos (The Best)

2008-06-15T19:18:00.003+02:00

Soy de la discreta opinión de que para saber o conocer algo de música de Jazz se hace muy complicado recomendar por dónde empezar. Es decir que si alguien me preguntara, que le gustaría adentrarse en los sonidos de este estilo para que no empezase odiándolo desde el primer día, tendría que recomendarle a este artista. Es CHUCK MANGIONE. Su carrera musical comienza muy a finales de los 60 y finaliza bien entrado los años 80. Diría que realiza un estilo de jazz sencillo, inicialmente, de entender, el llamado "smooth jazz", su traducción literal sería "jazz liso", pero para entendernos mejor, como bien se le llamó en los ambientes de habla hispana, la nueva música contemporánea adulta. Bien de cualquier modo, se le llame como se le llame, es una manera, sencilla de entender el jazz, adentrarse en sus caminos, sin esperar grandes solos de contrabajo, sonidos habituales de negros con saxo, batería y todo ese ambiente de club de jazz de los años 50 en USA. NO el jazz no tiene por que ser exclusivamente eso, puede ser un estilo más abierto, inicialmente, sonidos más cercanos al "funk" de calidad procedente de los Estados Unidos, y artistas que desarrollan una calidad muy esmerada en sus composiciones. Este es uno de esos artistas de los que nos hemos hartado de escuchar alguna de sus composiciones, sin saber de quien era o que nunca nos hubiésemos imaginado que ese sonido es jazz de los años 70 y este tipo de interpretaciones sean precursoras de estilos posteriores que ha influido notablemente en las pistas de baile, pero sobre todo en la música que puebla actualmente muchas emisoras de radio. Sobre Chuck Mangione, no existe nada distinto en Internet que no sea su corta y breve biografía que tan perfectamente resume WIKIPEDIA, como es habitual en mis recomendaciones. Disfrutad de buenos sonidos

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Frankie Goes To Hollywood: Welcome To The Pleasuredome

2008-06-04T22:49:00.005+02:00

Resulta que me pongo a hacer mi investigación rutinaria sobre el disco y/o el grupo correspondiente y me encuentro, por un lado que es yo diría, mucho más que escasa, la información que hay de ellos y lo segundo y más curioso para mi, es que la banda que aquí tenéis hoy disponible, es uno de los iconos de la música para ambiente "gay". NI ME LO IMAGINABA. Pues así es, perece que recientemente (hablo del pasado mes de febrero o marzo) una prestigiosa página web de Australia ha editado una lista de las canciones que son y han sido "iconos" de la música "gay", me refiero concretamente a al menos 2 de las canciones que aparecen en este disco, lógicamente por un lado, el tema "relax" y el archi-conocido "the power of love", tema que siempre cada navidad, suena en cada estación de radio y televisión, evocando con su vídeo, la visita de los reyes magos de oriente al "niño jesús". ¡VAYA, VAYA, VAYA!!!. Como decía la famosa canción de "Pedro Navaja": "la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida, Ay dios..." No vais a encontrar algo más suculento que lo que os he contado, por internet, pero siempre está bien pasearse por WIKIPEDIA, para ver que cuentan de la banda de los Holly Johnson y Paul Rutherford

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Barry White: The Ultimate Collection

2008-06-02T00:07:00.003+02:00

Barry White nació en 1944 en Galveston, Texas, Estados Unidos, y falleció el 4 de julio de 2003 en Los Angeles. Creció en un suburbio de Los Angeles, tocando el piano desde los 11 años en las iglesias afro-americanas de su ciudad. Barry realizó varias grabaciones a principios de los ’60 usando su propio nombre, Barry Lee, y como miembro de los Upbronts, los Atlantics y los Majestics. Sin embargo, trabajo desde las bambalinas con artistas de éxito como, Felice Taylor o Viola Wills. En 1969 White creó Love Unlimited, un trio vocal femenino formado por Diane Taylor, Glodean James (su futura esposa) y su hermana Linda. También fundó la Love Unlimited Orchestra, un “unión” de 40 instrumentos para acompañarse a si mismo y al trío, para la cual compuso y realizó arreglos, además de dirigirla. El éxito de Love Unlimited de 1972, con “Walkin’ In The Rain With The One I Love”, donde White interpretaba una grave y apasionada voz al teléfono, rejuveneció la propia carrera de Barry, alcanzando grandes éxitos en Estados Unidos con temas como “I’m Gonna Love You Just A Little More Baby”, “Never, Never Gonna Give Ya Up” (ambas en 1973), “Can’t Get Of Your Love, Babe” y “You’re The First, The Last, My Everything” (ambas en 1974), los cuales también fueron éxitos en el Reino Unido. Con estas, el artista estableció una formula bien equilibrada, donde las melodías pop/soul se fusionaban con aparatosos arreglos y la grave voz del cantante. Rápidamente el contenido sexual de las letras comenzó a ser mas explícito, pero aunque sus éxitos se escucharon hasta el final de los ’70, mantuvo su idolatría gracias a sus actuaciones en vivo. El mayor éxito en los Estados Unidos del cantante fue “It’s Ecstasy When You Lay Down Next To Me” (1977), que alcanzó el puesto 5 en listas. Al siguiente año se colocó entre los 20 primeros de las listas británicas con su versión del “Just The Way You Are”, de Billy Joel. Más tarde realizó varias grabaciones con su esposa Glodean, pero experimentó un periodo de declive antes de retornar a los primeros 20 puestos de listas británicas en 1987 con “Sho’ You Right”. Junto a la cantante británica Lisa Stansfield grabaron una nueva versión del éxito de Stansfield “All Around The World” en 1992. Durante los ’90, una serie de álbumes comercialmente exitosos le dieron a White la reputación de ser más que una figura de culto. También emergió como una celebridad menor de la televisión, realizando algunas apariciones en programas muy populares como The Simpsons y Ally McBeal. Al inicio del nuevo milenio, la salud de White comenzó a deteriorarse, muriendo el 4 de julio de 2003.

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Spandau Ballet: Gold, The Best of Spandau Ballet

2008-05-27T22:54:00.004+02:00

Era una noche de viernes cuando salí con mi pandilla de amigos por los nuevos "pubs" de la zona más moderna del Madrid que precedía a la movida. Era Noviembre de 1979, lo recuerdo bien. Llegamos a uno de esos sitios donde se pinchaban los éxitos futuros, donde la música iba por delante de los gustos de la mayoría, y uno de mis amigos me comentó que el "dj" acostumbraba a poner una canción que a él (mi amigo) le gustaba mucho y no sabía ni de quien era ni quien la cantaba. Yo por aquella época comenzaba a ser disc-jockey y me veía obligado a saber de todo, con respecto a lo que sonaba aquí y allá, lo que provocaba que todos mis amigos cuando sonaba algo que les gustaba me venían a preguntar datos de aquella canción. Esa canción en concreto era el "Chant number 1 (I don't need this pressure on)" y eso era el sonido de los grupos asociados al estilo "New Romantics". TODO UN ATREVIMINETO!!!!!!. Aquello se me quedó grabado en mi recuerdo, ese era el pistoletazo de salida a lo nuevo que llegaba desde la Islas Británicas. Era un grupo fantástico, sonaban a rock moderno, a nuevo sonido de discoteca y a atrevimiento por parte de los disc-jockeys a que esos nuevos sonidos de lo que iba a ser la música de los 80, llegaran a los sentimientos de cada uno. Yo estaba allí y era consciente del sentido de aquella nueva música, quizás por jóven, quizás por deseo de aprender, pero consciente, al fín y al cabo, de que un nuevo sonido nos esperaba en los siguientes años. Spandau Ballet eran "buenísimos" al principio y nos dejaron canciones para la eternidad. De su Biografía lo mejor que he encontrado esta en las páginas de WIKIPEDIA. A disfrutarlo

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Wham! : The Final

2008-05-25T23:21:00.005+02:00

Este es el único y más decente recopilatorio que se ha editado sobre la cortísima carrera de Wham, grupo de los 80 formado por Andrew Ridgeley y el eterno George Michael. Su corta carrera, como contaba, apenas duró 2 ó a lo sumo 3 discos, y no es que no les diera para más, la cosa, sino que a George Michael, esta aventura se le quedó muy pequeña. Cosecharon al menos 7 u 8 éxitos de importancia, si escuchais el disco con algo de detenimiento, se descubren unas cuantas canciones conocidas, y eso da la dimensión de lo que llegaron a alcanzar con tan poquito material editado. George tenía ganas de volar en solitario y así lo hizo en 1986 con este recopilatorio, como fin del duo, que hoy traigo a estas páginas. Fijaros la importancia de lo que ha hecho Wham! que hoy en día, y cada vez que llega la navidad su tema "Last Chrismas" llena las emisoras de radio y televisión de cada rincón de este planeta, llegándose a convertir en uno de los clásicos navideños del pop, y eso queda reservado a muy muy poquitos ( a Franky Goes to Hollywood, también les pasa). Más música de los 80 para los que somos amantes y conocedores de aquellos momentos.

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Rick Astley: Whenever You Need Somebody

2008-05-25T22:40:00.003+02:00

Cuando este pelirrojo comenzó a invadir las emisoras de radio, las pistas de baile y los gustos de los "bailongos" de aquella época (1987), los felices "80", en lo que a música se refiere, estaban en total explosióm. Músicas de todos los estilos llenaba los gustos de la gente, parecía, como si cualquier cosa fuera válida para obtener éxito, y vender algún que otro millón de copias allá por donde se editara. Pero en el caso de Rick Astley además, coincidía que, su estilo y su música, estaban producidas por el trío productor de moda de por aquel entonces, se llamaban Stock, Aitken & Waterman. Nombres de uno y otro lado del atlántico, Sherelle, Janet Jackson, la S.O.S. Band, Kylie Minogue, Bananarama, Samantha Fox, Jason Donovan, Donna Summer, Divine, Dead or Alive, Brother Beyond, eran producidos (o martirizados) por este trio que todo lo que tocaba lo hacía oro musical. Pero Rick era "ricasly" allá donde los pusieras (yo por aquel entonces era dic-jockey) y las pistas de baile reventaban con este "chavalín" que volvía locas a las chicas de aquel entonces. !VIVAN LOS 80!

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Boy George & Culture Club: The Best of the 80´s

2008-05-22T22:03:00.001+02:00

Los años ochenta fueron los años del exceso, de la imagen por la imagen, de encontrar nuevas formas de impactar por medio de la comunicación en las masas.Deveo, Duran Duran, Prince y Madonna usaron el video como su sello personal, generando una expectativa en torno al lanzamiento del video mismo, además de la canción que lo movía. La apariencia de Boy George, travestida, fue un ícono para una época. Con una representación así de directa, Culture Club, tuvo las puertas abiertas para hacer lo que quisiera con una audiencia que estaba dispuesta al impacto. Pero frente a una imagen transgresora, había una música pop, romántica y suave, que no tenía mayores pretensiones. George O'Dowd empezó a presentarse en varios clubes y se convirtió en una especie de punto de referencia porque imponía una tendencia romántica, como los finales felices de las películas adolescentes de la época. Estas presentaciones facilitaron una presentación con Malcolm McLaren que luego daría paso al grupo "In Praise Of Lemmings" que tuvo una vida. Sin embargo, esto permitió el contacto con el exbajista y Disc Jockey, Mikey Craig y el que fuera baterista de Clash, Jon Moss, con quienes desarrolló su estilo musical basado en lo más suave del Rithm & Blues. La formación se completó con el guitarrista Roy Hay y de ahí salió Culture Club.

Aunque el éxito no fue instantáneo, sobrevivieron tanto como para lanzar "Do You Really Want To Hurt Me", que llegara a ser número uno en Inglaterra y segunda casilla en Estados Unidos en 1982. El disco debut, "Kissing To Be Clever", permitió que "I'll Tumble 4 Ya" y "Time" también se convirtieran en éxitos y se despertara una fascinación por la apariencia de George en Estados Unidos. En este terreno fértil cayó el segundo disco "Colour By Numbers" de 1983 del que salió el número uno mundial "Karma Chameleon", junto con los éxitos "It´s a Miracle" y "Miss Me Blind". El éxito conseguido hizo que la voz de George y su imagen estuvieran vigentes por casi todo 1984. Sin embargo, el hecho de que George probara la heroína y luego terminara su relación con Moss llevó a un disco que fracasó antes de salir: "Waking Up With The House On Fire" que terminó con la popularidad del grupo que era bastante alta, a pesar de "The War Song" que dentro de todo tuvo aceptación. Esto provocó que se separaran en 1987 después de "From Luxury to Heartache". Boy Geroge fue puesto en prisión por su dependencia de la droga, lo que terminó de liquidar sus posibilidades como solista, mientras que el resto de los integrantes no tuvieron una suerte diferente. No obstante quedó como legado el manejo de la imagen, temas que aún hoy se bailan con nostalgia y el éxito alcanzado en dos años por una banda atípica.

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Los Caños: Los Caños

2008-05-19T23:48:00.003+02:00

A finales del 2000 o principios del 2001, no recuerdo bien, salió a la luz este curioso grupo de chavales que más parecían un proyecto de adolescentes para pasar un buen rato, que cualquier proyecto musical en serio. Y el resultado fué, mas que vistoso o de calidad, curioso y sorprendente, al menos. Se les ocurrió (y a su productor igualmente) atacar el mercado con una voz muy, no diría infantil, pero si excesivamente juvenil, un estilo musical estimo, excesivamente básico, y un aire a verbena de barrio, muy lógica por su procedencia andaluza, de Cádiz más concretamente. El caso es que con cuatro canciones apenas, revientan un mercado, que siempre está deseoso de nuevos y diferentes productos. Se atreven con una curiosísima versión de la archiconocida "melina" de Camilo VI, otra del "nunca llueve al sur de California", y su éxito de debút "Niña piensa en tí" que fué uno de los más curiosos "hits" que inavdieron las emisoras de radio de toda España, por aquel entonces. Hoy totalmente disueltos, el cantante por un lado con una chica que no se quien es (ni tampoco me interesa) y por lo poco que he podido oir de ellos no estoy por la labor de seguir su carrera musical. En definitiva, aquí se queda el proyecto inicial de "los Caños" que se denominó en España como estilo "pastelito" ¿Por qué será? Tampoco nunca lo llegué a entender...

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Alejandro Sanz: Más

2008-05-18T01:49:00.006+02:00

Hasta el día que me puse a escuchar en serio este disco, no creí nunca en Alejandro Sanz. Y no es que lo lamente, ni muchos menos, lo que ocurre es que uno se hace la idea de lo que es un artista o cantante o músico y luego quitártela es muy complicado. Yo como el más común de los mortales estimaba a este "chavalín" como ídolo de quinceañeras, compositor de canciones "ñoñas" o tontorronas e imbecilidades de calibre similar. Tampoco he cambiado en exceso la idea, lo que ocurre es que SÍ me parece una excelentísimo disco este "Más" que es el culmen de su carrera musical, se le nota de verdad compositor, letrista, con sentimiento y eso NO lo vuelve a hacer en ninguno de sus siguientes discos. Me da absolutamente igual que alguien este de acuerdo conmigo o no, pero es tes, sencillamente, su mejor disco, por composición, canciones, linea musical, letras, etc... A partir de aquí vendrían discos con una línea infinitamente mucho más personal es decir, se nota que ha escrito lo que le ha apetecido, lo que más ilusión le hacía en cada momento y encima su discográfica le ha dejado, se lo ha permitido y si sigue la línea del todo lo que grabe es oro, pues mejor para ambas partes, pero no se si para el bien y el futuro de la música en general, aunque bien pensado, siempre defiendo la idea de que los artistas graben y compongan lo que más les apetezca, pues pensándolo bien, Alejandro Sanz, también tiene derecho. Lo que ya no le encuentro tanto sentido es esa excusa de irse a vivir a Miami por no se qué razón ¿profesional? o de impuestos o vaya usted a saber que tornillo no le encajó para irse allá. ¿serán acaso temas más... personales? (por ejemplo prensa rosa, chantajes variados, novias que le abandonan, no querer soportar a su fans en Madrid... !Vaya Usted a saber!!!)

Introducion The Hardline acording to Terence Trent Darby

2008-05-15T17:41:00.005+02:00

Introduciendo la linea dura de acuerdo a TERENCE TRENT DARBY. Es que tiene "narices" la cosa, ponerle a un título así a un disco, solamente son capaces los que están con los tornillos algo desajustados en su cabeza. Siempre lo pensé incluso desde el día que se editó, por aquellos felices 80, concretamente en 1987. El disco era todo un derroche de novedad, texturas, genio, música negra, R&B del mejor, soul, pop y el aval de que no solamente gustaba a un grupo reducido en tu entorno si no que 12 millones de copias vendidas de este disco no son el fruto de una casualidad, sino que este chaval, apuntaba maneras y esto solamente lo hacían genios. Bebió de las fuentes de Prince, lógicamente, Sam Cook, Little Richard, Elvis Presley y de sus propia madre, una cantante, parece ser, muy respetada en el mundo del Gospel.
Pero la fama arruino su cabecita, se le estropearon más tornillos que al resto de humanos y se dedicó a .... vaya Usted a saber, por que cada biografía cuenta una cosa un poco distinta del resto, asi que se enfadó tanto con su vida que se cambió de nombre, ahora se hace llamar Sananda Maitreya (la madre que lo parió). Parece que en varias entrevistas el mismo dice: “Había momentos en los que no sabía quien era Terence Trent D´Arby”. Me sentía como un actor con un papel que tenía que representar y al cumplir los 33 decidí cambiar de nombre al descubrir mi verdadera identidad y realidad”. Anda que la cosa se le ha puesto.... bueno esto de los artistas raros es así, o a lo mejor es que envidiaba la trayectoria de su ídolo personal (Prince)

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Electric Light Orchestra: ELO´s Greatest Hits

2008-05-13T23:08:00.005+02:00

Electric Light Orchestra fue un exitoso grupo de rock y Música disco de Birmingham, Inglaterra de la época de los 70's y los 80's. Banda formada en 1971 por Roy Wood, Jeff Lynne y Bev Bevan, en prinicipio era un proyecto paralelo a The Move, banda integrada por los mismos miembros, más tarde The Move se disolvería y el genio de Roy Wood tras el debut de E.L.O. abandonaría el grupo quedando Lynne de líder. Su primer y extravagante álbum intentó fusionar instrumentos clásicos, ejecutados de manera muy poco ortodoxa, con el pop y el rock dando un insólito resultado. A partir del LP Elo II el sonido se hace más agradable y adquiere parte del estilo único con que se le conoce.En el disco El dorado (1974) el grupo ya consolida el sonido ELO con la participación de una orquesta de 30 músicos y coros. A partir de Face the music comienzan los hits exitosos y es donde E.L.O. comienza sus éxitos y sus giras mundiales. Es la época donde los 7 integrantes de E.L.O. se mantienen constantes (Lynne, Bevan, Tandy, Groucutt, Kaminski, Gale y Mc. Dowell). Su LP Out of the blue (disco doble) dio lugar a las mas fastuosa gira de este grupo, lo que incluía un OVNI gigante, similar al representado en la tapa del LP. Esto duró hasta Discovery. Jeff Lynne hubiese preferido acabar la carrera del grupo en ese momento pero obligaciones contractuales le obligan a sacar más discos. Time llega al nº 1 de las listas inglesas. Un Soundtrack para la película Xanadu que para muchos fue una aventura comercial desastrosa, luego la reducción del grupo a 4 miembros (Lynne, Bevan, Tandy y Groucutt y a veces Kaminski) como invitado para algunas canciones) y LP poco exitosos comparados con su estapa gloriosa Secret Messages, Balance of Power que culminaron con la desaparición del grupo en 1986.El álbum Secret Messages, Balance of power fue concebido originalmente como un disco doble pero la compañía discográfica lo reduce a un disco .Las canciones omitidas aparecen en diversas recopilaciones posteriores. Jeff Lynne abandona el grupo en 1986 aunque publica un disco en solitario llamado Armchair Theather (1990), editado por Reprise. Tras 1986 desarrolla una labor como importante productor musical: Joe Cocker, The Beatles, Traveling Wilburys, Roy Orbison, etc. Os recomiendo muy encarecidamente que visiteis la página oficial española de la E. L. O. que es ESTA.

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Tamara: Gracias

2008-05-12T20:26:00.004+02:00

Nieta del cantaor flamenco Rafael Farina e hija de una bailaora, sus primeras influencias son las canciones de las películas de Walt Disney, la música de los mexicanos Ana Gabriel y Luis Miguel (su ídolo), y de los españoles Rocío Durcal y Los Panchos. A los 11 años concursa en el programa de televisión "Menudas Estrellas", imitando a la protagonista de Pocahontas; queda en el tercer puesto. A la siguiente temporada volvió al concurso, dejando las películas infantiles de lado para interpretar temas de la cantante italiana Laura Pausini. A los 12 años firmó su primer contrato discográfico con una compañía sevillana lo cual le abrió las puertas a más programas de televisión y radio. En 1999, con 15 años publica su primer disco, Gracias, compuesto por boleros y rancheras, producido por Bebu Silvetti y grabado en Miami, en los Estudios Ocean Vu y Circle House; su versión del tema de José Alfredo Jiménez "Si nos dejan" se convierte en un éxito. Recibe el Premio de la Música a la Mejor Artista Revelación y es nominada a cuatro Grammys Latinos. El disco se reedita con versiones en directo de todos los temas y logra vender 500.000 copias. Consolida su carrera con Siempre y consigue un premio Ondas a la mejor canción de año 2001 por "Herida de amor". Su tercer disco, Abrázame, está formado por canciones de autores de ambos lados del Atlántico: Kiko Cibrián ('Quién como tú'), Marcos Llunas ('Será la última vez'), Bebu Silvetti ('Devuélveme la luna' y 'Un poco de dolor'), etc. En el año 2004 edita Canta a Roberto Carlos, en el que la cantante interpreta temas como "El gato que está triste y azul", "Cóncavo y convexo" o "La distancia". Consigue vender más de 150.000 copias y su disco se sitúa en los primeros puestos de la lista durante muchas semanas. Un año después, en 2005, aparece Lo mejor de tu vida, un homenaje a Julio Iglesias en el que Tamara canta éxitos del intérprete español: "Hey", "La Carretera" o "Vuela alto". En el año 2006 sale a la venta Emociones en directo, un álbum grabado en directo en el Palau de la Música de Barcelona, que incluye una selección de sus éxitos. El 20 de noviembre de 2007, Tamara lanza al mercado su séptimo disco, Perfecto. En tan solo una semana en el mercado consigue vender más de 40.000 copias convirtiéndose así en disco de oro. Compuesto todo ello por temas inéditos tales como "La ley de Amarte" (primer sencillo del álbum) o "Y que le voy a hacer" (primera composición de la cantante), también contiene otras sorpresas como es un dueto con el gran cantante latinoamericano Christian Castro con quién interpreta la balada "Nada sin tu amor".

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Deacon Blue: Our Town (The Greatest Hits)

2008-05-11T23:52:00.003+02:00

De Deacon Blue en los 80´s solamente recuerdo cuando en mis tiempos de disc-jockey por estas discotecas de dios, se pinchaba su canción y la gente fanteseaba (alucinaba) con su música. Creo que casi no importa que no hicieran más canción digna que su archi-famoso "Dignity". Es más, ni me interesa... por que solamente con oir esa, me transporto a aquellos felices y prometedores años. Era un producto más que nos llegaba desde las Islas Británicas, sonaba a pop muy melódico, sonaban muy armónicos, sonaban a dulces y sinceros y recuerdo que en las discotecas, esto se bailaba, como "hippis" dando vueltas sobre uno mismo y mirando al cielo. La canción era treméndamente deliciosa, recuerdo hasta su única, creo, actuación en esta ciudad donde vivo, Valencia, que el Auditorio Pachá, referente de las actuaciones de los grupos que ya nos llegaban de manera ingente, desde el exterior, nos aportaba notas de frescura a un panorama que agotaba los últimos 80, y que marcaba el final de una década que llamaba a la puerta de su "digno" final. Aquí va el grandes éxitos, para los que desean conocer algo más de la banda, y quieran rememorar con sus canciones, tiempos de felicidad, guardados en los felices bolsillos de sus memorias.

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Lionel Richie: Truly, The Love Songs

2008-05-11T18:10:00.003+02:00

Se que me vais a tachar de pasado de moda o melancólico empedernido, pero esto de tener gustos musicales variado, implica que a veces te gusten cosas, que yo entiendo, que no estén al unísono de los comunes mortales lectores de este blog. Pero la vida es así, y hoy me apetece que quede constancia de mi parte más poco creible de seguir un buen criterio musical. Y respeto a todo aquel que asi me tache, de "hortera" es decir, muy pasado de moda. Además, este recopilatorio de Lionel Richie, no es ni de lejos lo mejor de este artista, !!!Que va!!!. es solamente las que se cuentan como mejores canciones románticas de él. Y en este aspecto Lionel lo hacía muy bien, después de demostrar en los 70 con su banda de siemnpre, Los Commodors, que era un integrante con ideas y criterios propios capaz de ofrecer, por aquel entonces, algo distinto en la música. Yo sinceramente le descubrí de manera convencida, cuando en el verano del 84 y con su canción "All night Long" capta la atención del mundo entero con su actuación en la ceremonia de clausura de los juegos olímpicos de Los Ángeles. Es entonces cuando empiezo a escuchar lo mucho que ha hecho y compuesto, dejando para la eternidad, sensacionales composiciones llenas de ternura, fantasí y equilibrio, Mo dejeis de ver videos de los 80 de Lionel por que enmarcan perfectamente el estilo romántico que se llevaba entonces. Y por supuesto si quereis una detallada biografía de él, lo mejor es que vayais a la pagina de RADIO 2 que es la que he encontrado más completa esta vez.

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Craig David: Born To Do It

2008-05-10T18:36:00.002+02:00

Desde que este disco salió al mercado a finales del 2000 o principios del 2001, no recuerdo muy bien, ni tampoco los datos recopilados, me han aclarado este extremo, es que me ha vuelto loco. Craig David se marcó el mejor tanto de su vida, pudiendo sacar a la luz este primer Cd, es un trabajo redondo y muy explotado, la verdad, en todas las emisoras de radio, del mundo entero. Y eso nunca ha sido considerado por nadie, como raro o pesado, sino totalmente al contrario, si un trabajo tiene calidad, merece la pena ser escuchado, casi, de por vida. Este es el segundo disco que subo de Craig David y no me canso de oírlo, ni de llevarlo siempre presente cerca, porque se ha vuelto en un clásico de la música de esta década. Revienta cualquier concepto que se tenía hasta entonces de la llamada música urbana y convierte sus melodías en clásicos para la eternidad. Su estilo, sus aportaciones y su edad "temprana" para sacar a la luz tan buena cantidad de música le llevan a ser el artista más joven de UK en llegar a puestos del número 1 en listas de aquel país tanto en singles con en discos LP

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Pink Floyd: Wish you Were Here

2008-05-06T14:02:00.004+02:00

Estas son las dos portadas oficiales que se han editado con el disco Wish You Were Here de Pink Floyd, y esta es la historia del grupo:
Grupo inglés de rock que inicialmente obtuvo el reconocimiento por su música rock psicodélica, y, a medida que evolucionó, se fue transformando en rock progresivo. Son conocidos por sus canciones filosóficas, la experimentación sónica, sus innovadores Cover art, y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes de la escena rock con más de 200 millones de álbumes alrededor del mundo de los cuales 74.5 millones solo en los Estados Unidos. Su primera formación estaba conformada por Bob Klose en la guitarra, Nick Mason en la batería, Rick Wright en el teclado y las vocales, Roger Waters en el bajo y las vocales y Syd Barrett como vocalista principal y guitarrista rítmico, este último fue el primer líder de la banda. A lo largo de su carrera tuvieron diversas formaciones hasta llegar a la clásica formada por Gilmour, Mason, Wright y Waters.
Tenían un moderado éxito en la escena mainstream y fue una de las bandas más populares en la escena musical underground londinense a finales de los 1960´s como una banda psicodélica lidereada por Syd Barrett; que más tarde, debido a su comportamiento errático, sus compañeros se vieron forzados a remplazarlo por el guitarrista y cantante David Gilmour. Después de la salida de Barrett, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los 1970s, hasta su eventual salida de la banda en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes, siendo grandes sucesos comerciales con éxito mundial tales como "The Dark Side of the Moon" (1973), "Wish You Were Here" (1975), "Animals" (1977), y "The Wall" (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, demandaron a Waters por los derechos del nombre de la banda; ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd y disfrutaron del éxito comercial de "A Momentary Lapse of Reason" (1987) y "The Division Bell" (1994), eventualmente alcanzaron un acuerdo con Waters sobre el uso del nombre.
Waters hizo una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto de Live 8 en Londres.
Pink Floyd es una de las bandas más influyentes del rock, ha influenciado a diversos artistas de rock tanto de los 1970s como David Bowie , Genesis y Yes.

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Talk Talk: The Very Best

2008-04-27T19:15:00.005+02:00

Corrían los mediados de los 80 y yo eran un disc-jockey al uso por estas benditas tierras valencianas. En aquellos, días las discotecas de estos contornos, se afamaban en pinchar, ritmos y estilos propios de dichos años, pero principalmente procedentes de las Islas Británicas. Talk Talk era un grupo de referencia en el panorama musical que los dic-jockeys de entonces aprovechábamos, por que sus canciones eran auténticos "llena-pistas" que te garantizaban noches de euforia y desenfreno entre el personal que poblaba los garitos en la noche valenciana.
Entre todos esos difusos recuerdos andaba el de una discoteca que estaba en un pueblo a las afueras de Valencia (en La Eliana) que dado el éxito de esta banda, los trajo a tocar en directo, y aunque sus sonido era más propio de haberse conseguido con un alto nivel de calidad, en un buen estudio de grabación, en directo no decepcionaron a la parroquia que allí estuvimos presentes, para conocer a uno de los grupos sensación y referente de las pistas de baile de la época. A talk Talk se le veneraba, aunque visto en la distancia, eran buenos, pero... ¿Era para tanto?. Ahora las canciones las escuchas con la calma y la distancia que da el tiempo, y realmente llegaron a realizar una serie de grabaciones, todas ellas reunidas ahora en este recopilatorio, que te transporta a aquellos benditos años de dios, y de los que más de uno no se ha movido ni tampoco creo que le apetezca nada.

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Teras For Fears: Tears Roll Down: Greatest hits 82-92

2008-04-27T19:02:00.004+02:00

Tears For Fears Eran Curth Smith Y Roland Orzabal, este último hijo, de emigrantes españoles, vascos más concretamente, lógico por el apellido, Orzabal es un apellido que suena típicamente a Vasco, y fundaron este proyecto musical en 1981. Procenden de UK. No era una banda al uso, navegaba entre dos movimientos: los nuevos románticos y la new wave. Debutaron en 1983 con la publicación de The hurting, álbum que contenía tres singles de éxito relativo: Mad World, Change y Pale Shelter. El éxito masivo, sin embargo, les llegó gracias a Songs from the Big Chair (1985), disco considerado una auténtica obra maestra del llamado synth pop. Canciones como Everybody Wants to Rule the World o Shout, ambos nº 1 de Billboard, les convirtieron definitivamente en grandes estrellas del pop. Su último trabajo conjunto fue The Seeds of Love (1989). En 1992, tras la edición del recopilatorio Tears Roll Down: Greatest hits 82-92, Curt Smith se separó del proyecto aparentemente en no muy buenos términos. Orzabal se quedó entonces con el nombre de Tears for Fears y como tal publicó dos discos más, Elemental, de donde el tema Break It Down Again obtuvo un considerable éxito (1993), y Raoul & the kings of Spain (1995). En 2001, Roland decidió lanzarse sólo con su nombre con el álbum Tomcats Screaming Outside. En 2004, Roland y Curt se reconciliaron y volvieron a trabajar en equipo como Tears for Fears en el álbum Everybody Loves A Happy Ending.

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Bruce Springsteen: Greatest Hits

2008-04-20T17:05:00.004+02:00

Quien bien conoce mis gustos musicales, se extraña al comentar, que no me guste el "boss". Sinceramente, no está dentro de mis preferidos, siempre argumento que esto es una cuestión de gustos o de colores y que entre elegir ver un concierto del "boss" o uno de "Michael Jackson" pues, ya en 1988 elegí la opción de ver el concierto del segundo, por mera afinidad de gustos musicales, no por que no me apeteciera ver a Bruce. Esto NO significa, ni que le odie, ni que me caiga radicalmente mal, sino totalmente al contrario, soy partidario de escuchar con atención su música, oir lo más que se pueda de su estilo y de sus canciones y después, elegir. Dada esta premisa y entendiendo que soy un enfervorecido defensor de tener en casa una selecta colección de discos, pues NO debe faltar en ella, uno al menos, de Bruce, y en este caso he elegido sus grandes éxitos por que si bien los que están son imprescindibles, también he de reconocer, que no están todos los que son sus éxitos, yo personalmente añadiría otros 20 más, pero eso puede que lo deje para otra oportunidad.
Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli. Nació en Freehold, New Jersey, EE. UU., el 23 de septiembre de 1949 de padre irlandés (Douglas Springsteen) y de madre italiana (Adele Zirilli). Creció en Freehold, Nueva Jersey. Cantante de rock y lider del movimiento llamado "rock urbano". Vocalista, guitarrista, compositor, toca el piano, la armónica, la guitarra acústica y eléctrica, y embellce cada canción con su voz única e inigualable; comenzó su carrera allá por 1972 y hoy aún no lo ha dejado. Su banda habitual, con la que recorre el mundo entero, de concierto en concierto es la "E Street Band" (la banda de la calle E). Como es habitual, os recomiendo WIKIPEDIA para que os empapéis de su biografía y además de poder reunir, en una sola página lo esencial de su biografía, discografía y enlaces a otras páginas interesantes del "boss".

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Mariah Carey: Mariah Carey

2008-04-15T20:04:00.004+02:00

Investigando la vida y la obra de Mariah Carey me he quedado sorprendidísimo con la capacidad de voz con la que cuenta esta cantante (leer en wikipedia el apartado "Voz", enlace que veréis más adelante). Me ha parecido lo más relevante dentro de todo su extenso repertorio de obras musicales que ha creado y además de ser una polifacética artista, su capacidad para llegar a tantos tipos de actividades que puede llegar a realizar tanto como cantante, como actriz y productora y creadora de sellos musicales.
Bien el caso es que Mariah es sobradamente conocida en el panorama musical actual, pero este disco que hoy subo para compartir, fué su primer álbum en solitario que a parte de ser un rotundo éxito por el año 1990 contó con la producción de uno de los más grandes de este tipo de sonido "Narada Michael Walden". Las composiciones en su mayoría eran propias, con lo cual la sorpresa iba siendo superior, hasta llegar a puestos de máxima altura en las listas de calidad y ventas no solamente en su USA natal sino también en el resto del planeta. No dejéis de visitar su página en WIKIPEDIA no solamente por que da una visión general y además correcta, sino también por que es una de las más completas y concretas que hay sobre esta impresionante cantante

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Kenny G: I Am In The Mood For Love

2008-04-12T17:34:00.004+02:00

Kenny G es un saxofonista suficientemente conocido en los ámbitos musicales por la cantidad de discos editados y por la particularidad en tocar ese instrumento, que tiene y que le ha dado tanta fama mundial. El problema radica en encontrar algo para escuchar, de él, que se haga muy decente, y que no caiga en el romanticismo típico, tópico, y aburrido. De todos los discos que ha editado en los últimos 18 años, recopilatorios imprescindibles aparte, se salva muy muy muy poquito del amigo Gorelick (de ahí lo de "G"). Este disco que hoy traigo al blog, pasa por ser un disco hecho a su auténtico gusto, se nota qu le ha pedido a la discográfica que le dejaran tocar lo que a él le apetecía y aver quien le dice que NO. Pues sinceramente, han hecho muy bien, porque no todo en la vida es vender y vender sin parar sino tambien invertir un poco en la parte más artística de los instrumentistas como él. Hace versiones en plan orquesta de los años 50 y 60 de temas muy especiales y yo doría que un tanto universales, temas inolvidables de Beatles, Frank Sinatra, el más reciente You are so bautiful de James Blunt o temas sin igual de películas como Romeo y Julieta o Casablanca; o el nunca bien ponderado "The Shadow of your smile" la sombra de tu sonrisa.
Como me gusta ser fiel a mi tradición de que se conozca suficientemente bien cada artista, aquí os dejo una pagina que se llama TARINGA en la que se obtiene toda la biografía del artista e incluso el 80% de sus albumes en descarga a través de servidores gratuitos y quiero hacer un especial hincapié en los 3 primeros discos que edita allá por los mediados de los 80 cuando era un gran y prometedor desconocido pero tocaba un estilo "funky" que hacía conmover a todo amante de la música que lo escuchaba por primera vez.

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The Style Council: The Collection

2008-04-09T19:25:00.004+02:00

The Style Council es un grupo musical que abarcó varios estilos, principalmente r&b, soul, funk, y modern jazz, sobre una base de melodías de pop fresco. Fueron pioneros de movimientos musicales que surgieron como evolución de los antes mencionados: Nuevas etiquetas como soul britannia , jazzy , y acid jazz. Formados como dúo en 1983 por el ex líder de The Jam Paul Weller , y el teclista Mike Talbot procedente de Merton Parkas, tras unos escarceos de Weller con el grupo Everything But The Girl. Se hicieron acompañar en las primeras grabaciones por diversos músicos y por la cantante Tracie Young, quien tuviera tan buena voz como discreta carrera producida por Paul Weller. En 1984 entró a formar parte de la formación fija el baterista de tan sólo 18 años Steve White. Posteriormente se unió a la formación la cantante Dee C. Lee, que antes había colaborado con Wham!. Dee C. Lee y Paul Weller contrajeron matrimonio y tuvieron dos hijos, divorciándose en los primeros años 90.

Muchos de los fans de The Jam no entendieron el cambio de Paul Weller, que realmente era una evolución en sus planteamientos que difícilmente podía llevar a cabo dentro del corsé de un grupo de rock con orígenes en el punk. Paul declaró que pretendía que Style Council fuesen una fusión de estilos entre The Small Faces y las bandas de Modern Jazz de los primeros años 60, intentando tener el sonido más negro posible. The Style Council tuvieron una mayor conciencia política aún que The Jam. Paul y Mick se unieron a Billy Bragg en el proyecto Red Wedge, y el apoyo al mundo laborista y en contra de Margaret Thatcher quedaron patentes en las ácidas letras de Money Go Round, The Lodgers, Come to Milton Keynes, o Shout to the Top. Los mayores éxitos comerciales de The Style Council llegaron en 1985 con el álbum Our Favourite Shop, que alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido. Una vez más, Paul Weller no triunfó en EE.UU., si bien al menos con The Style Council consiguió algo más que con The Jam: El tema My Ever Changing Moods alcanzó el puesto #29 en las listas Billboard. En 1989 se aceleró la separación del grupo, algo que ya estaba en la mente de Mick y Paul. Para saber algo más acerca de la biografía de Paul Weller esta página tiene una información interesante y muy bien escrita.

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Christopher Cross: The Deffinitive

2008-04-09T12:31:00.006+02:00

Pocas veces se ha visto en el mundo de la música un debut tan arrollador como el que Christopher Cross tuvo en los 80. Él y Norah Jones son los dos únicos artistas en la historia que han recibido "Los Cuatro Grandes " premios Grammy (Mejor Grabación, Canción, Álbum y Nuevo Artista) en el mismo año. Cross lanzo su álbum de estreno "Christopher Cross" con Mundialmente conocido por componer "El Tema de Arthur" de la película de Dudley Moore, "Arthur, El Soltero de Oro" que ganó el Oscar a la Mejor Canción Original. Su segundo álbum "Another page" dejó hits como "Think of Laura", considerado como uno de los más reconocidos temas de la historia de la música pop norteamericana. Ha vendido 9 millones de álbumes. Un artista que ha hecho historia. A pesar que nada más entrar en los 80 se pusieron de moda estilos musicales mucho más rotundos que el pop elegante y elaborado que Cross preconizaba, como el tecno en Gran Bretaña y Europa o el Rock de la Costa Oeste en USA (Motley Crue, Wasp...), su música sigue siendo apreciada por el público exigente. Las canciones de Cross siguen teniendo difusión en las radio fórmulas de los 80; no sólo eso, sino que se le puede considerar como uno de los creadores de lo que los americanos denominan "Adult Contemporary Pop". Se trata de artistas que desarrollan un pop mucho más elaborado y sofisticado del que las grandes cadenas de radio, mucho más centradas en estilos juveniles como el rap o el "New metal" (...), están acostumbradas -o dispuestas- a emitir. Es el autor de grandes éxitos como Ride like the wind, Sailing, Never be the same, All right, Say you'll be mine y Arthur's theme (Best that you can do). Ha publicado ocho álbumes, siete de ellos de estudio y uno en directo. Algunas de las canciones más recordadas de Cross son sus baladas, con pianos demasiado melancólicos, canciones de amor. Es en los medios tiempos y en la creación de atmósferas donde es capaz de asombrarnos, 25 años después, Cross producía sus propios temas, la orquestación de muchas canciones es impresionante una veces por una sencillez de increíble eficacia y otras por una acumulación de sonidos perfectamente compenetrada, creando un sonido denso pero ligero al mismo tiempo. Por ejemplo, en "Sailing", el autor logra, con sólo 2 repeticiones de acordes diferentes, crear una sensación que nos envuelve recordándonos la tranquilidad de un mar en calma. Por otra parte, en "Charm the Snake", un potente tema de resonancias africanas, Cross acumula en primer plano toda una serie de instrumentos como guitarras, tambores, añadiendo coros e incluso en la parte final de la canción, sonidos de flamencos - Todos los albumes de Cross tienen al menos un flamenco en la portada-. El resultado es una especie de ambiente salvaje, selvático que parece envolvernos con los zancudos animales alrededor. Cross es también un especialista en canciones de un ritmo alegre y optimista, más allá de la comprensión de sus letras. Canciones como "In the blink of any eye" y muy especialmente en "That Girl" o "Swing Street", consigue unas melodías muy pegadizas, con un ritmo nada lento pero tampoco acelerado en exceso, muy desenfadadas y ajustadas, y con unos finales de canción dilatados de una manera perfecta que hace que cuando termine la canción, sigamos tarareándola o silbándola durante un buen rato. A lo largo de más de 20 años Cross nos ha ofrecido, salteadas a lo largo de todos de sus discos, un puñado de pequeñas joyas del pop. Canciones que como "Sailing" son adecuadas para la reflexión o la melancolía, además de temas optimistas y animados para disfrutar de esos momentos que a veces la vida nos regala como si fuera un dulce. De corta duración, pero deliciosos.

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Interprtations: Clebrating the music of Earth, Wind and Fire

2008-04-06T00:59:00.004+02:00

Vamos a ver: Que la música de Earth, Wind and Fire es buena y conocida, MUY CONOCIDA, ya lo se y ya lo he reflejado en algún disco anterior subido para deleite del general público; pero que interprtar la música de esta banda y que tenga calidad, eso ya es harina de otro costal. Una serie de músicos se han reunido para interprtar canciones de la mítica banda de Philip Bailey, pero es que lo curioso radica en que el producto tiene calidad para dar y tomar y encima, les han quedado unas versiones, muy muy "chulas". Vamos, que merece la pena descargarse el disco y disfrutarlo que ya es hora de hacerse un regalito para uno mismo, con un poquito de "criterio" para seguir engordando una buena discoteca personal

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Los Secretos: 30 Años

2008-04-04T18:03:00.005+02:00

Que haya tenido que espera 30 años a escribir un artículo sobre mi grupo de pop español preferido... es que !!! tiene delito!!! . Pues me parece que va a ser así... He conocido a muy poca gente (española, claro está) que no le gusten Los Secretos, y es que para ser un grupo de pop y español, tiene adeptos allá por donde pises. Desde que a prinipios de los 80 tras deshacerse (mejor debo decir, evolucionar) el grupo TOS (los antecesores de Los Secretos) y aparecer los hermanos Urquijo liderando lo que sería ya la formación definitiva, la historia de la música pop en España depende mucho de lo que los Urquijo hacen y componen. Sobre la historia, anécdotas, curiosidades y todo el conocimiento necesario, me he permitido el lujo de incluir en el archivo de descarga del disco, una serie de documentos y enlaces directos a páginas web para completar toda la información necesaria, creo que a parte de que es más bonita la labor de investigación y tener una ámplio conocimiento del grupo, es mejor así, tener tiempo para escuchar este doble disco con todo lo necesario e imprescindible de la banda.
Me gustaría, antes de acabar este artículo, evocar un homenaje de recuerdo a este grupo y en especial a su desaparecido cantante Enrique Urquijo, muerto en circunstancias presuntamente relacionadas con temas de droga, como el grupo que con su música vió alumbrar mi llegada a la ciudad donde actualmente resido (Valencia) con un profundo olor y sabor al Madrid de la "movida" y de los 80, ciudad que me vió nacer y crecer, y de la que hoy me sigo sintiendo felizmente ciudadano, temporalmente desplazado, pero que se, que algún día, a ella volveré. Los Secretos suenan a Pop de los 80, a Madrid, a sencillo amor y a tantas notas cercanas al corazón que se hace muy dificil describir.

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10.000 VISITAS

2008-04-02T00:07:00.005+02:00

Hoy Miercoles 2 de Abril a las 00:06 horas AGORA DE MUSICA acaba de recibir al visitante 10.000 desde Santiago región metropolitana de la capital de CHILE. Gracias a éste visitante y a todos los que habeis visitado esta página, con o sin regularidad, gracias a los que sois primeros visitantes y gracias a los asiduos, gracias al más mayor y al más pequeño. Con vuestras visitas ÁGORA DE MÚSICA continua un camino comenzado el pasado 12 de Noviembre del 2007 y en tan solo, no llega a, 5 meses ya estamos tocando la primera gran cumbre. Mis felicitaciones a cada uno de vosotros y espero algún comentario, para alimentar mi necesidad de seguir ofreciendo un trabajo digno y duradero

James Taylor: The best of James Taylor

2008-03-29T17:59:00.005+01:00

Corrían los duros años 70 en España, años de dificultades y lucha, a cualquier nivel, pero años de ir sacando la cabeza, también, para una joven como yo, que en esa decada, pasaba de 9 a 19 años casi sin darme cuenta. En mi propia casa bebía de las fuentes musicales que mi hermano traía del mundo exterior, y yo felizmente aprendía a escuchar la radio y a oir discos porque él era mi único profesor musical, con excelentes criterios, temgo que reconocer. Fueron años no muy brillantes, pero lo que brillaba con calidad, seguro que pasaba por el tocadiscos de casa, era lo que había, ah! y muchas cintas de cassette para grabar los discos que, de unos a otros nos prestabamos (hoy, a esto, le llamamos piratear¿?) y entre la música que entraba en mi casa estaban los discos de James Taylor, cantautor pop americano de esta época que marcó un estilo por los dificiles años de aquel entonces. Recuerdo que aprendía cosas de la vida de los artistas a base de preguntar y peguntar a mi hermano, y para mí, él era mi única enciclopedia. Me contaba que estaba casado con otra excepcional artista que tambien escuchabamos, Carly Simon y que juntos o por separado, me transportaban, con sus notas, a un mundo romántico e ideal.
Pero estos son recuerdos de los 70, guardados en mi corazón con notas de James Taylor que era una de las partes de la banda sonora de mi vida de aquel entonces. Un tributo a mi mayor profesor de música de todos los tiempos, este disco va por ti !!! . A mi hermano PEPE

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Simply Red: Stars, The Collection Edition

2008-03-29T14:00:00.003+01:00

Segundo disco que aporto a este blog, de los británicos Simply Red, la banda del pelirrojo Mick Hucknall. Ya en su día cuando puse el disco "Picture book" comenté que el estilo tan personal de la banda, no había sido imitado, con relativo éxito, por prácticamente nadie y logicamente eso da la medidad de que no es fácil lo que ellos hacen ni mucho menos hacerles sombra por lo que aportan a la música. Esta es una oportunidad, no solamente de tener el mejor disco, sin comparación, de todos los editados, si no que además la aportación de versiones extraordinarias o creadas en ocasiones inigualables recopiladas ahora en este doble CD es una excusa para tenerlo para siempre. Ya de sobra sabeis que mi intención pasa por tener una buena colección de discos y por tanto este "Stars" es una oportunidad de garantizarse un buen disco para siempre; poder, además, deleitarse con remisex de temas de la banda, reunidos en un mismo disco y grabaciones en directo, hace de esta recopilación, una buena manera de tener a Simply Red, siempre cerca

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Toni Braxton: The Best So Far

2008-03-28T22:59:00.004+01:00

Creció en Severn, Maryland, sujeta a los preceptos de una familia extremadamente religiosa adherida a la fe apostólica (su padre era ministro). Las mujeres no podían usar pantalones, sandalias o maquillaje, y tampoco se admitía la música popular. Su madre era una cantante de ópera amateur. Cantó en el coro de su iglesia desde muy chica y cuando tenía 11 años sus padres se unieron a la Iglesia Metodista Unida, la cual era menos estricta que la anterior. Toni estudió el magisterio en la Bowie State University :pero siguió cantando. Su carrera empezó cuando junto a tres de sus hermanas , actuando como Braxtons, lograron hacer de The Good Life un moderado hit en Estados Unidos. En 1991 los productores L.A. y Babyface la hicieron firmar con LeFAce Records. La cosa empezó con la banda de sonido de "Boomerang", que se convertiría en doble platino. En ella Toni cantaba un dúo con Babyface, llegando con este tema al nº 2 en las listas de Singles R&B. Tambien incluía un tema de ella solista "Love Should A Brought You Home" que se incluye en su LP debut. Toni declara haber tenido influencias de Janet Jackson, Quincy Jones, Stevie Wonder y Chaka Khan. Su álbum debut la hizo acreedora a dos premios Grammy y dos premios Soul Train. Se vendieron de su auto titulado álbum más de 7 millones de copias y ganó por él tres premios Grammy, tres American Music Awards y dos Soul Train Music Awards. Salieron de dicho álbum cinco hits, todos los cuales alcanzaron status de Oro. Secrets, su segundo álbum, incluyó el hit YouÂ´re Making Me High, que ganó en 1996 un premio Billboard en la categoría Mejor Simple R&B. En 1997 ganó un Grammy en la categoría Mejor Interpretación Pop Femenina por Un-Break My Heart y otro en la categoría Mejor Interpretación Vocal R&B por You're Making Me High. En el 2000 volvería a sorprender a su publico con el excelente disco "The Heat" y hasta hoy ha editado dos álbunes más titulados "More than a woman" (2002) y “ Libra” (2005)

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A Jazz Tribute to Stivie Wonder

2008-03-27T22:53:00.004+01:00

El elenco de artistas que contiene este recopilatorio, que como bien dice sus título, es un tributo universal a la música y la composición que ha realizado en su ámplia carrera musical, Stivie Wonder, es para quitarse el sombrero. El disco ha sido, integramente, grabado en clave de Jazz puro, por tanto, cuidado con las sorpresa, quiero decir con esto que os vais a encontrar con un disco de jazz interpretado por artistas de reconocida fama mundial, pero con sonido de slow jazz moderno. A saber: Lee Ritenour, Ramsey Lewis, Roy Ayers, Ray Barreto, Mongo Santamaria, Jeff Beck, Groover Washintong, Keiko Lee, Basia, Tuck and Patti, Gene Harris, Stanley Turrentine, Ronnie Foster, Ahmad Jamal, Herbie Hanncock y Bobby McFerrin.
Es necesario, escuchar el disco con un análisis de calidad, solamente así podremos comprobar que la música del genio Stivie es eterna, intemporal, sin estilo definido y con la fuerza que da el Jazz, que puede con todo, si hay MUSICOS con mayúsculas, de por medio, capaces de interpretar la esencia del deseo musical de Stivie Wonder

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Carly Simon: The Very Best

2008-03-24T23:50:00.004+01:00

Carly Simon viene de una familia de personajes muy notorios (su padre fue co-fundador de la compañía de publicidad Simon and Schuster, y su hermana Lucy es una famosa libretista de Broadway), pero Carly es conocida como una sencilla cantante y compositora que saltó a la fama a principios de los años ’70. Simon tuvo sus comienzos en el mundo de la música en los años ’60, cuando ella y su hermana actuaban bajo el nombre de “The Simon Sisters”. Pero su primer trabajo como solista no se materializó hasta 1971, cuando lanzó su álbum debut que incluía el éxitoso “That’s the Way I’ve Always Heard It Should Be”. Su segundo álbum “Anticipation” de 1971 se convirtió en disco de oro en dos años y le valió ganar el Grammy como mejor artista debutante en 1971. Continuó ganando discos de oro con el álbum de 1972 “No Secrets”, que incluía los exitosos “You’re So Vain” y “The Right Thing to Do”, y con “Top The Hotcakes” en 1974. En ese entonces, Simon se casó con el cantante y compositor James Taylor. La pareja permaneció casada hasta 1983. Simon continuó cosechando éxitos, incluídos “Playing Possum” (1975), “Another Passenger” (1976), “Boys in the Trees” (1978), “Spy” (1979) y “Come Upstairs” (1980). Pero el ritmo acelerado de vida comenzó a hacer mella en la joven cantante, y en octubre de 1980 colapsó en el escenario debido a su agotamiento. Luego de este incidente, sus conciertos se hicieron cada vez menos frecuentes. Continuó, sin embargo, lanzando álbumes, obteniendo un gran éxito con “Torch” en 1981. Durante los siguientes años, participó como artista invitada en álbumes de otros artistas, pero su carrera como solista comenzó a apagarse. “Hello Big Man” de 1983 y “Spoiled Girl” de 1985 no se vendieron bien, aunque el simple que sirvió de banda sonora para la película “Eartburn” alcanzó el disco de platino. Otro gran éxito fue con el simple lanzado en 1988 “Let the River Run”, para la película “Armas de Mujer” (Working Girl). Simon lanzó un álbum de covers de pop, llamado “My Romance” en marzo de 1990, y otro álbum con canciones originales titulado “Have you Seen Me Lately?” en setiembre de ese año. También participó en la película “This is My Life” en 1992, y escribió una ópera llamada “Romulus Hunt” en 1993. Su último trabajo es "The Bedroom".

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El Sonido de Filadelfia

2008-03-23T21:43:00.005+01:00

Cuando tenemos que valorar las músicas de algunas épocas vemos que alguna consigue atrapar perfectamente el ambiente de esa generación, pero se queda en aquella época. No es el caso del Sonido Filadelfia, que se convierte en la banda sonora perfecta de la época que va desde el final de la guerra del Vietnam, hasta los inicios musicales del “punk”, y lo más curioso es que se trata de una serie de singles que hoy constituye el legado musical que hasta hoy se mantiene fresco y actual. Kenneth Gamble y Leon Huff fueron los esenciales productores y compositores del sonido Filadelfia, crecieron con los sonidos de los 60 y cosecharon una serie de enormes éxitos con un gran elenco de artistas, que duró cerca de diez años. A principios de los 70 crearon un sello discográfico (Philalephia Sound Internacional, distribuida por Columbia Records) que fue, fuente inagotable de éxitos, de los que se alimentaron las emisoras de radio de la época, compitiendo de manera directa con los más importantes sellos de la competencia de entonces, la mítica “Motown” y su otra competidora la “Atlantic”. El sonido que emanó del sello nacía de los orígenes apasionados por el jazz, de grandes orquestas, de ciertas dosis de romanticismo, y de un sonido nacido en las calles. Es tan importante la influencia que ha dejado el sonido de Filadelfia, que hoy está vigente con fuertes raíces en una sociedad que ya entiende de música y vive los sonidos de los 60, 70 y 80 como muy propios

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Lets Groove: The Best of Earth, Wind and Fire

2008-03-22T19:12:00.003+01:00

Era mucho, también, el tiempo que, andaba buscando un disco de Earth Wind and Fire para ponerlo, pero con tanto recopilatorio que existe es casi imposible elegir uno a gusto. Bien pues parece que ya lo he encontrado, y garantizo que lleva todo lo esesncial para decir que está todo lo conocido de esta banda aunque yo, personalmente, echo e menos algo, pero pienso que aun siendo un grupazo que me gusta, no es necesario que haya que sacar tanta punta al "lapiz" y es mejor pecar por defecto que por exceso. Earth, Wind & Fire fue una de las bandas funk con el sonido más acabado, respetada por la crítica y de las más exitosas en lo comercial. Lo que hizo única a esta banda fue, por una parte la concepción que tuvo el baterista, compositor, cantante y líder de la banda, Maurice White. Earth, Wind and Fire era una fusión de energías en la que confluían su esencia funk con elementos de otros ritmos como el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll. Sumada a la riqueza musical estaba la voz de Philip Bailey, detrás de la cual la banda armonizaba como el mejor de los grupos Motown, con la intensidad de James Brown o la improvisación de un grupo de jazz fusión. Además, sus presentaciones en el escenario eran elaboradas y trepidantes. El motor de la versatilidad de Earth, Wind and Fire era el mismo eclecticismo que unía a la banda. Era una diversidad impulsada por una creencia espiritual amplia que se manifestaba en un conjunto de pensamientos positivos. El elemento que servía de unión a todos estos elementos era la composición de Maurice White. Sólido, impredecible con los arreglos, inteligente con los ganchos y estructurado en la unión de los instrumentos, hizo de Earth, Wind and Fire la banda más impecable del funk. Si bien es cierto no todo lo que grabaron fue un éxito, lo correcto es que ellos fueron los primeros en amarrar todos los ritmos que les habían precedido y los convirtieron en un espectáculo impresionante.
Sobre el resto de su biografía os recomiendo que visiteis la pagina de RADIO 2, una radio de Colombia, muy bien estructurada y con una ámplia recopilación de biografías de artistas, muy variada.

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Varios Artistas: Latin House 2004

2008-03-21T19:02:00.004+01:00

Desde que comencé a publicar entradas en este blog, una de mis intenciones, siempre, ha sido poder poner algún disco recopilatorio de música "house" buena, conocida, y que de todo el disco se pudiera a provechar al menos un 70% de él. Pues ya ha llegado el moemnto. El disco lo tenñia en mente desde el principio pero no encontraba la oportunidad de subirlo. Se trata de un recopilatorio. lógicamente del 2004, con todos los éxitos del "house" más conocido en las pistas de baile hasta aquel momento, por tanto , hay que tener en cuenta que se echarán de menos más de un par de canciones , pero lo que es innegable es que cada una de las que aparecen en el disco son sobradamente conocidas y todas tienen un nivel de calidad mucho más que digno. Aprovechad que no todos los días tenemos a nuestra dsiposición recopilatorios con todas las canciones superbuenas ni mucho menos siguiendo un criterio de calidad tan exquisito

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The Best of Bond ... James Bond

2008-03-09T23:31:00.003+01:00

Hace aproximadamente unos 3 años, tuve la oportunidad de que llegara a mis manos este interesantísimo recopilatorio con, lo que han sido, los temas estrella de las películas de la saga "James Bond". Reune todo lo que han sido canciones emblemáticas en cada una de sus películas y se puede ver como artistas importantísimos de toda talla internacional, han aportado su canción a esta saga. Curioso ver como Sherley Bassey aporta en total 3 temas, y las curiosas apariciones de por ejemplo, Tina Turner, Madonna, Carly Simon, Duran Duran, Aha, Louis Amstrong, Paul McArtney, Rita Coolidge, Matt Monroe, Gladys Night, Tom Jones, Nancy Sinatra, Sheryl Crow, y seguro que se queda alguien en la memoria pero como se puede admirar, la colección es de ensueño. Todas, canciones evocadoras, de momentos de acción e intriga, con toques de pasión por el cine del más puro estilo de la fantasía y el entretenimiento. Como repito, curioso recopilatorio y muy interesante porque las películas de James Bond ya implican sello mediático que incluye canción con artista de renombre y siempre viene muy bien tener en un solo disco todos estos temas y artistas unidos para la causa de los servicios "secretos de su majestad" y su imperecedero e inmortal líder, 007.

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Moby: Go, The Very Best of Moby

2008-03-09T00:58:00.004+01:00

Richard Melville Hall nace el 11 de septiembre de 1965 en Darien. Moby era una de las figuras más polémicas de la música techno, alabado por la crítica por intentar marcar un camino a seguir, y así aumentar la popularidad de un género que siempre a pasado anónimamente como el electrónico. En cualquier caso, Moby era (y es) uno de los más importantes artistas dentro de la música de baile de principios de los 90’, y ayudó a llevar este tipo de música al gran público, tanto en Inglaterra como en América. Moby fusionó los ritmos rápidos del beat con guitarras heavy distorsionadas, el ritmo del punk con una producción tan detallista como en los mejores discos pop, dance y bandas sonoras. Su música además de diferenciarse de las texturas superfluas y cool del sonido ambient y del hedonismo del house, tiene personalidad propia, la personalidad de Moby, famoso por ser un devoto creyente, rozando las creencias radicales cristianas, siendo todo un activista. El disco "Go" llegó al Top Ten británico en 1991, estableciéndolo como uno de los principales productores de techno. El tiempo le seguiría dando la razón y en 1995 con “Everything Is Wrong” conquista a los críticos americanos. Cuando a principios de los 90’ la música techno comenzaba a decaer, Moby permaneció como una de las figuras más importante del género, incluso después de grabar un disco de rock guitarrero en 1996 titulado “Animal Rights”.
De nombre original Richard Melville Hall, Moby recibió su apodo de niño; una derivación de Herman Melville, el autor de Moby Dick. Moby nace y crece en Darien, Connecticut, donde toca en una banda de punk hardcore llamada Vatican Comandos. Posterior, canta con Flipper, mientras que el cantante oficial pasaba un tiempo a la sombra. No asiste durante mucho tiempo al colegio ya que se traslada a Nueva York donde comenzó como Dj en clubes de baile.
A finales de los 80’ comienzos de los 90’ edita varios singles y Eps para el sello independiente Instinct. En 1991, compone el tema principal para la serie de la televisión de David Lynch “Twin Peaks”, una derivación del ritmo house y que le llevaría a editar el larga duración “Go”. El sencillo es un éxito sorprendente en Inglaterra y llega al Top Ten. Debido a su éxito, Moby fue invitado a trabajar en muchos remixes de grandes estrellas pop rock como Michael Jackson, Pet Shop Boys, Brian Eno, Depeche Mode, Erasure, B-52's y Orbital.
Moby siguió trabajando en la música dances en 1991 y 1992, ganando en 1992 varios de los premios Mixmag, en esta ceremonia rompió sus teclados al final del concierto. “Moby”, su primer Lp, aparecía en 1992. En 1993, edita el doble sencillo I Feel It" / "Thousand" que se convirtió en un éxito en U.K. Según el Libro de Guinness de los Records, "Thousand" es el single más rápido de la historia, en donde el ritmo lleva una cadencia de 1000 golpes por minuto. Ese mismo año, Moby firma un contrato con Mute y su primera trabajo se titularía “Ambient”, que recopilaba el material del artista entre 1988 y 1991. Un año más tarde se edita “The Story So Far”, una colección de singles que se con Instinct. En 1994, el single "Hymn", una de las primeras fusiones del evangelio y la música techno y ambiente ve la luz.
Ese mismo año, Moby firmó un contrato con la multinacional Elektra para la distribución en Estados Unidos. “Everything Is Wrong”, su primer álbum para esta discográfica, aparece a principios de 1995 con excelentes críticas, especialmente en la prensa americana, que antes le había ignorado. A pesar del empujón promocional que acompañó al álbum y de los conciertos en el Lollapalooza 95, el álbum no se convirtió un éxito comercial. Al año siguiente, Moby abandona repentinamente el techno y graba un disco rock cargado de guitarras titulado “Animal Rights”, con el que se hicieron varios mixed.
Regreso en parte a la electrónica en 1997 con “I Like to Score”, al que le siguió “Play” en 1999. Rompiendo con todas las expectativas, el álbum llegó a ser disco de platino y alcanzó el número uno en U.K., mientras que los temas del álbum eran pedidos por docenas de publicistas y recopilatorios.

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Stivie Wonder: The Definite Collection

2008-03-06T18:34:00.005+01:00

Al pobre "Esteban Maravillas" (Stivie Wonder) el mundo de la música lo tienen olvidado o mejor dicho, se le debe mucho y realmente se le reconoce lo justo. Solamente se habala de él como el ciego que lo hace todo y nunca, pero nunca, será suficiente lo que se diga o lo que se haga para reconocerle que este hombre es un genio de otra galaxia. No es necesario, ni mucho menos, reconocerle, que marca estilos, porque no sería verdad, ni mucho menos decir de él, que su música influencia a tal o a cual, pero háblale a cualquier profesional de quién es Stivie Wonder para la música actual y se queda mudo. ¿Como describiríamos su estilo?. Intemporal. ¿Y su música? ¿Negra? ¿soul?. Osea, esto es algo, que ahora pensado friamente, es dificil de describir, pero pensemos solo una cosa, si tienes que hacer un recopilatorio de grandes éxitos de este genio, se necesitan unos 70 u 80 temas y te faltarían por poner algunos. Por eso el disco que aquí te puedes descargar, lleva 40 y todos son de sobra conocidos. Este tío es un MONSTRUO y el mundo, no se si se lo va a reconocer alguna vez, suficientemente. Por eso y porque él está por encima de los tiempos y las modas, hay que tener a Stivie Wonder, SIEMPRE, SIEMPRE, SIEMPRE.

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The Very Best of MTV Unplugged

2008-03-05T23:08:00.002+01:00

Me parece esta, una buena oportunidad para traer este disco recopilatorio de la saga de los "unplugged" que, con el aval de la prestigiosa cadena de TV la MTV, se editó en el año 2002. De los hasta ahora 3 dixcos recopilatorios, editados ya, solamente este primero me parece el más digno, populra, con sentido, comercial e interesante para nutrir una buena colección de discos en casa. Trae los más florido e interesante de los Mtv Unplugged ya editados por tantos artistas y grupos. A saber: Eric Clapton, Alanis Morrisete, R.E.M., Sherill Crow, Lenny Kravitz, Page & Plant, Brian Adams, Paul Simon, Anny Lennox, Paul Mc Artney, Rod Stewart, The Cranberris, Kd Lang, The Corrs, Seal, Live, Noel Gallager y por último Sting. Es decir , posiblemente no se pueda volver en la vida, a reunir a un plantel de artistas en un solo disco, en directo y en versiones acústicas de cada uno de sus temas más prestigiosos.
Es un disco, siempre, oportuno, bueno, elegante y para crear afición. A por el!!!!

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Everything But The Girl: Adapt or Die

2008-03-04T16:50:00.007+01:00

Like The Deserts Miss The Rain (Como el desierto extraña la lluvia...) es uno de los versos que resuena en el estribillo de Missing -probablemente la canción más conocida de EBTG, un grupo que definitivamente no acaba su repertorio en un único single. Al contrario, este disco tiene la cualidad de mostrar algo más que una simple colección de canciones, lo que hace es revelarnos la forma en que este grupo evoluciona en una forma realmente envidiable: desde sus primeras canciones, acústicas y sencillas, hasta la fusión con la electrónica de sus últimos días, EBTG mantiene una identidad firme como un grupo sofisticado, emocional y confesional, creadores de una música de alta factura en la que se conjugan a la perfección elementos del jazz y del dance, y a la que la etiqueta de pop le quedaría chica, pero que sin embargo cambia lo suficiente como para dar cuenta de un proceso de exploración desde una base tan sólida como es su propio estilo.La selección de canciones es impecable, díficilmente se podría encontrar alguna de ellas que podría llegar a aburrir; por otra parte, la cobertura de un amplio rango de la carrera de EBTG hace que “Like the deserts…” se convierta en un punto ideal de introducción a su producción de LPs. No siendo un amplio conocedor de ella, debo decir que no queda la sensación de que algo se haya quedado fuera; pareciera que este disco se convierte en la mezcla definitiva de la banda.Cuando empezaron su carrera tomaron su nombre de una tienda de muebles de Beverley Road en uno de cuyos esloganes aseguraban poder decorar la casa con todo lo que había en el local, menos la chica. Su primer single fue una versión del Night and day de Cole Porter. Raíces e influencias: Bill Evans, Count Basie, T-Rex, Gilbert O´Sullivan, Steely Dan, John Martyn, Paul Simon, James Taylor. Artistas que ha influenciado: Mono, Laika, Broadcast, Adventures in Stereo, Beth Orton, Dido, Ivy, Hooverphonic...Ellos componen sus propios temas, aunque uno de sus mayores éxitos en las listas inglesas fuese la versión del tema de Rod Stewart, I don´t wanna talk about it (1988). También grabaron Kid de Pretenders para Love not Money (1984) y un acústico con versiones de Springsteen o Elvis Costello (1992), entre otros. Al principio de su carrera estaban englobados dentro del llamado jazz-pop de mediados de los ochenta (el padre de Ben Watt era músico de jazz) que encuadraba también a Sade, Matt Bianco o los Style Council, con quienes colaboraban en su disco Café Bleu(1984). Debido al éxito en las pistas de baile de las remezclas de su tema Missing a cargo de Todd Terry, así como la experiencia de Ben Watt con Massive Attack o Deep Dish, su sonido ha derivado hacia la electrónica.

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Alan Parsons Project: I Robot

2008-03-04T00:19:00.005+01:00

Músico británico, Alan Parsons nació el 20 de diciembre de 1949 en Londres. Antes de iniciar su proyecto, Parsons sobresalió como ingeniero de sonido en la EMI, siendo su trabajo más destacado el llevado a cabo con los Beatles en “Abbey Road”. Al margen de su colaboración con el grupo de Liverpool, Alan colaboró en grabaciones de gente como Pink Floyd, Al Stewart, a quien le produjo su famoso "The Year of the Cat", o The Hollies. En 1975 dio inicio a su carrera con Alan Parsons Project en compañía del compositor y cantante Eric Woolfson y de Andrew Powell, encargado de las orquestaciones. Su obra se caracteriza por construir Lps de rock progresivo con carácter conceptual, iniciados con “Tales of Mystery and Imagination” (1976), un disco basado en las narraciones extraordinarias de Edgar Allan Poe que contaba con la colaboración del mismísimo Orson Welles. Entre los cantantes utilizados, además de Woolfson, se hallaban nombres como Terry Sylvester, Arthur Brown o John Miles. “Pyramid” (1978) volvía a incidir en la creación de atmósferas, ahora ahondando en narraciones de leyendas y misterio y con una mayor influencia de los Beatles. Entre sus colaboradores se encontraba el ex cantante de los Zombies, Colin Blunstone. El mismo año de su publicación produjo el citado “The year of the cat” a Al Stewart, con quien repetiría en siguientes títulos, como “Time Passages” (1978). Anteriormente le había producido a Cockney Rebel los discos “Psychomodo” (1974), “Best years of our lives” (1975) y “Closer Look” (1976). Tras su debut, Parsons retornó con otro disco conceptual, “I Robot” (1977), trabajo en el cual adaptaba relatos de ciencia-ficción del escritor y científico Isaac Asimov. Entre los vocalistas se encontraba nada más y nada menos que Allan Clarke, el miembro de los Hollies, Steve Harley de Cockney Rebel o Lenny Zakatec, componente de Gonzalez.“Eve” (1979) recreaba el universo femenino y “The Turn of a friendly card” (1980) abordaba, siempre desarrollando composiciones de rock progresivo, el tema de los casinos y los juegos de cartas. Su disco más exitoso sería "Eye in the sky" (1982), otros trabajos posteriores como "Ammonia Avenue" (1984), con el fantástico single “Don’t answer me”, "Vulture Culture" (1985), "Stereotomy" (1986) y "Gaudí" (1987) fueron bien recibidos por sus seguidores gracias a una sugestiva disposición de texturas musicales que le han llevado a grabar algunos de los mejores discos del rock sinfónico británico. Alan Parsons ha recibido diez nominaciones al Grammy por la ingeniería de grabación y la producción de sus discos. Compuso un disco llamadoThe Sicylian Defense, que nunca salió a la venta. En la actualidad, además de grabar y presentarse en vivo, Alan Parsons produce para otros artistas, compone bandas sonoras de películas, además de tener su propia compañía que se dedica a la mejora de la calidad de sonido en cine y televisión. De hecho se ha convertido en un referente del sonido envolvente 5.1. (Dolby 5.1)

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Simply Red: Picture Book

2008-03-03T00:18:00.005+01:00

Con Simply Red en 1985 comienza el decisivo asalto de las bandas de color blanco, principalmente originarias del Reino Unido, al mercado del Funky, el Soul y el R&B, en un claro ataque a la hegemonía que por entonces ostentaban los grupos negros de origen Estadounidense. Mike Hucknall, líder pelirrojo y alma-mater de esta sensacional formación, se despertó en el ámbito musical con este “Picture book” que fue el primer álbum de la banda en todo el mundo. Tras él llegaron hasta 11 discos entre grabaciones en estudio y actuaciones en directo así como DVD´s de cierto color efectista de cara a un público mas bien poco conocedor de esta banda. Hucknall, casi único componente inalterable de la banda a lo largo de los años, es en auténtica realidad la esencia, SIMPLY RED, él es su inspiración, su obsesión y todo se mueve a su alrededor, sus gustos , sus influencias, sus aportaciones, sus altos y bajos inciden directamente en cada disco de la formación de Manchester. Amante del soul, del fútbol y ahora entregado por completo a su hija, refleja directamente en cada tema, todas estas influencias.
“Picture Book” a parte de ser el primer disco, es una joya, hay que tener en cuenta que oído hoy es un disco que cuenta ya con 22 años de antigüedad, y ha conseguido tener un sonido vigente y particular hasta hoy, obteniendo un resultado hasta ahora por nadie imitado ni en su estilo, ni en sus influencias. Para saber más de “Simply Red” os recomiendo, como siempre, que acudáis a WIKIPEDIA y su propia pagina web : http://www.simplyred.com. Por cierto, Mick Hucknall, dice adiós definitivamente a la banda con la reedición especial de su también legendario disco STARS. El cantante ha manifestado en multitud de entrevistas su intención de realizar una carrera en solitario en clave de estilo Rythm and Blues. La despedida llegará en forma de gira mundial en 2009, como homenaje a los 25 años de historia del grupo. "Es mucho tiempo en esta industria y, por tanto, hay algo que celebrar; quizá sirva también para descubrir nuestra música a una nueva generación", apunta el propio Mick.

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Pioneer The Album Vol. 2: House (2001)

2008-02-29T22:21:00.005+01:00

Ya es la segunda vez que pongo un disco de la colección PIONEER THE ALBUM, y es que sinceramente, siento predilección por ellos. Esta vez volumen, 2 “house”, y es que este sello discográfico ha tenido el acierto y lógicamente, la suerte, de poner aglutinar en un solo Cd un recopilatorio con lo mejor del “house” en este caso perteneciente al año 2001. Pienso seguir subiendo discos del “Pioneer” hasta que el cuerpo aguante, y se que muchos los disfrutáis, como ejemplos del buen hacer de este sonido, actual de discotecas, con elegancia y que invita a destrozar esqueletos en las largas noches de alegría de cada una de nuestras ciudades. Deseo que lo disfrutéis, y que con él recuperéis buenos momentos de hace, en este caso, ya siete años.

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Lee Ritenour: Portarit

2008-02-28T10:28:00.005+01:00

Da gusto comenzar un artículo, sabiendo que este disco y este artista, siendo en general, muy desconocidos en España, pasan por ser estilos que gustan muy a todo el mundo, solamente hace falta pinchar en el reproductor que he puesto al final con la canción más significativa de este disco, para ver que esto sí que esta bien. Lee Ritenour es uno de esos músicos del estilo Smooth Jazz o Jazz Tranquilo que deleita y enamora a la primera; encima, en este disco, se ha hecho acompañar de artistas excepcionales, Djavan cantando, aportaciones de Kenny G, Paulinho Da Costa Nathan East, Lary Williams y hasta los mismísimos Yellowjackets. Hay que tener en cuenta que Lee Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro, y abundantes números uno en concursos de guitarra. Sus discos, cerca de una veintena, están grabados mayoritariamente para GRP, y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum: "Larry & Lee", a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton. Este artista No te va decepcionar y para saber algo mas de su vida consulta AKI y tambien lógicamente en su PAGINA WEB OFICIAL

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El Canto Del Loco: Estados de Ánimo

2008-02-25T18:30:00.002+01:00

E C D L (El Canto Del Loco, para los amigos) (o Dani Martín y su banda) son unos transgresores jóvenes gamberrillos madrileños (de Parla) que empezaron siendo eso , queriendo entrar con zapatillas en los locales de ocio, pero claro, hay que entender que esas cosas ya no se pueden hacer en esta España de hoy en día en la que la inmensidad de la clase media, nos obliga, prácticamente, a tener que entrar con camisa y corbata, si te quieres tomar un “cubata”, en cualquier “garito”. Pero, amigos, estas son las letras del pop español, letras que hablan de lo cotidiano, del amor de los jóvenes, de jugar a ser personas, de correr detrás de las chicas como auténticos “veinteañeros”, de las multas por aparcar el coche en un lugar inadecuado y de las fantasías que a esas edades se manifiestan en la cabezas de cada uno (la madre de “José” me esta volviendo loco). El caso es que, esta banda, que empieza siendo una sencilla formación, con claras intenciones de divertimento y buen humor, rematan su carrera con este su tercer disco, que es casi perfecto. Con la claridad y la distancia que da el tiempo, uno escucha ahora este disco de ellos, que no por conocido, deja de ser excelente, y termina descubriendo que estos “chavalines” esconden más calidad, y buen hacer, que lo que sus canciones más comerciales, envuelven. Te deleitas con “ya nada volverá a ser como antes”, o “Dentro de mí” o incluso “Insoportable” canciones todas ellas, que hablan con tonalidad de auténtico y genuino pop español. Es perfecto este disco de los E C D L. Y entiendo que haya mucho público que diga que no les gustan, pero es que ellos han tenido que pasar por las garras de las discográficas multinacionales obligadas a velar por sus bolsillos y no necesitadas de vender calidad, sino calidad. Para quien tenga aún dudas, que se lo descargue y si no le gusta que lo olvide, pero respete que se puede descubrir, aunque sea tarde, a un grupo que ha de ganarse un sitio en el mejor pop español. Si quieres saber algo de la biografía de esta banda te recomiendo que pinches AKI y tendrás una buena versión de su vida. A disfrutar...

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Najee: The Best of Najee

2008-02-21T23:32:00.005+01:00

Si alguna vez andas buscando artistas y más concretamente, saxsofonistas del estilo de “Kenny G” o “Groover Washington”, pues acabas de llegar al sitio perfecto. Najee originario de la ciudad de New York, con nombre completo Jerome Najee Rasheed, es uno de esos hombres que toca el saxofón, de una manera rica y portentosa. Sus conocimientos musicales nacen de una riquísima formación del jazz clásico y además en su juventud fue amante incondicional de los

excelentes clubs de jazz que pueblan su New York natal. He elegido un grandes éxitos por que a este artista hay que descubrirlo. Por ejemplo, escuchas la canción del reproductor, que incorporo al final de este articulo, y a parte de descubrir que es una versión del tema de ANITA BAKER, de la que ya escribí un artículo, parece que no con el éxito que yo esperaba, descubres que este es una trozo de artista que hay que descubrir. Se le ha llamado, entre los puristas de jazz más actual, como el nuevo rey del “smooth jazz” o en español “jazz tranquilo” . Se disfruta con sus canciones, interpreta, emociona y te lleva hasta el rinconcito que ha pensado cuando escribía cada uno de sus temas. A parte del tema, que suena en el reproductor de más abajo, hay en este disco, un homenaje al gran maestro Stivie Wonder y la verdad es que es magistral versionenado el “I Wish”. Solamente quiero, para finalizas, enviar mi más sincera felicitación para quien se descargue este disco y descubra en el un artista para siempre.

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Crowded House: Recurring Dream (The very best)

2008-02-19T22:59:00.006+01:00

Cuando salió este disco en España su publicidad en la TV decía lago así: "Conoces muchas más canciones de Crowded House de las que te imaginas..." y en un espacio de 20 segundos se escuchaban cuatro de esas canciones.
A mi me parecía que descubría en ese momento la música de Crowded House, pero en realidad, como casi todo el mundo, ese era su disco, teeóricamente, de despedida y ninguno de los que por entoneces, lo comentábamos, no nos daba ninguna pena ese fín, sino al revés, una alegría al descubrir la música pop de una banda que había
nacido con fuertes tintes rockeros y que acabó calmándose hasta llegar a crear ese sonido tan peculiar que les caracteriza.
Sinceramente, esto es una apreciación muy personal. Me da pena, en estos casos, ver que me hago mayor, los grupos van bajando las persianas aunque aún los mantenemos vivos con nuestros deseos.
La decisión de disolución estaba tomada, pero aun quedaba el compromiso de un nuevo álbum con el sello Capitol, por todo ello "Recurring Dream", nombre extraído del titulo de una vieja canción de la banda, pasó a ser una despedida y el resumen de un sueño que comenzaba a acabar. Las nuevas composiciones de Neil Finn ya no coincidían con el estilo de la banda, y el alejamiento de Paul Hester, fueron las circunstancias que envolvieron el cierre del telón. El álbum recopilatorio contiene 16 grandes éxitos de la banda, más tres nuevas canciones, "Everythig Is Good For You", "Instinct" y la ya conocida en vivo "Not The Girl You Think You Are". 19 canciones para disfrutar; que aunque se hecha de menos "Chocolate Cake", es mejor no regalarlo todo en un grandes éxitos.

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Steely Dan: Then and Now, The best of Steely Dan

2008-02-16T18:32:00.005+01:00

Recientemente escribí un arrtículo sobre uno de los integrantes de esta banda formada por Walter Baker Y Donlad Fagen, entonces me refería al disco de éste último THE NIGHTFLY y me parecía que ya era hora de que dispusieramos al menos, de un grandes éxitos de esta banda americana, que tantos adeptos tuvo. Su calidad y su buen hacer, han dejado huella en el panorama musical de estos últimos 25-30 años. El apogeo de popularidad del grupo fue en los años 70, cuando lanzó seis álbumes que mezclaban elementos de jazz, rock, funk, R&B y pop. Su música se caracteriza por la influencia de complejas estructuras de jazz, el manejo adecuado de las letras y una gran habilidad musical. La historia del grupo tiene tres etapas: en la primera, desde 1972 hasta 1974, el grupo era una banda convencional de rock que salía de gira y grababa; en la segunda, (1975 - años 80) el grupo se convirtió en un grupo puramente de estudio que continuó usando el nombre de Steely Dan, aunque se centraba básicamente en el equipo formado por Becker y Fagen, empleando a músicos de sesión en sus grabaciones. La tercera etapa del grupo es la vuelta por sorpresa de Becker y Fagen a la grabación y actuación en directo durante los años 90, con la banda reconstituida considerada como uno de los grandes grupos de jazz-rock que actúa en directo de forma regular, habiendo lanzado varios aclamados álbumes en directo y en estudio.
Por último, y a modo de curiosidad, este álbum solamente se editó en Europa y data de 1993.

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Level 42: The Definitive Collection

2008-02-16T17:23:00.008+01:00

Desde muy joven me pareció que la banda Level 42 hacía una música que me tenía muy enganchado. Yo era, por entonces, un apasionado del “funky” como estilo musical, pero lo que me enamoraba de esta banda era su resultado en las grabaciones, impactante sonido del bajo, por parte de su líder, Mark King, marcado acento rítmico con fuerte influencia negra, muy habitual en aquellas fechas, y sobre todo la sorpresa de ser blancos y británicos. El hecho de ser de las islas de la reina Isabel, marcaba una influencia musical distinta, creo que más atractiva para los europeos, y era una manera de reivindicar que en Europa se podía hacer buen “funky” teniendo una piel blanca. Total, que a mí me parecía, que todo lo que tocaban era oro y me tenían enganchado con cada uno de sus discos.

Han pasado los años y al volver a oír sus discos, veo que estaban por la labor de aportar fuerza y estilo elegante al funky teniendo en cuenta que el sonido de este estilo estaba acaparado por jóvenes bandas de “negritos” americanos y que el pop era terreno abonado para los británicos (o europeos). Level 42 eran “bueníiiiiiiiiiiisimos”.

Información de Lvel 42 en WIKIPEDIA

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Roxy Music: Avalon

2008-02-11T22:32:00.001+01:00

El grupo Roxy music fué fundando a principios de los setenta por Bryan Ferry.Tambien formaron parte del proyecto Phil Manzanera como guitarrista,Andy Mackay como saxofonista,paul thompson como bateria y Brian Eno como Teclista y sintetista.
En aquella Epoca comenzaron ha surgir nuevos grupos y a tambien ha creaser nuevos sonidos y estilos musicales.Hay que recordar que a pricipios de los años setenta Los Beatles se habian separado.Pues bien en un contexto de ebullicion musical aparecieron este grupo. Tengo que decir que llamaron, más incluso, su estetica, su forma de vestir, que su propia musica, aunque también destaca su música. En aquella epoca estaba muy de moda los pantalones campanas y las lentejuelas. Pero este grupo destacaba por su extravagancia y pomposidad, sobre todo de cierto componente. Se llegaron incluso a incluir erroneamente dentro del movimiento Glam y a compararlo con David Bowie. Pero no tenían nada que ver ni con uno ni con otro. Vestían de aquella manera para llamar la atención.
Tambien destacaron por sus portadas de discos, aunténticas obras maestras. Solían aparecer bonitas chicas en posiciones muy eróticas. Incluso se llegó a censurar la portada de uno de sus discos. En ella aparecían dos chicas en medio del bosque, semidesnudas y solo cubiertas por sus bragas y una de ellas con un sujetador. Hay que decir que esta portada del disco fue editada en el año 74. También destaca por su belleza su disco llamado "Siren"(75) En ella aparece una bella sirena. Por otro lado os recomiendo, si teneis la oportunidad, ver sus preciosos videoclips en Youtube.

El grupo tuvo tres etapas bien diferenciadas. La primera abarca su dos primeros discos (72-73). Es su época más creativa y llamativa. En esta etapa tenía una gran influencia en el grupo El señor Brian Eno. Por porblemas de rivalidad con Ferry, en cuanto al concepto del grupo, se marchó e inició su carrera en solitario. Este señor fue muy prolifico y creativo. Actualmente es más conocido como el productor musical de U2. La segunda etapa musical de Roxy Music se inicia una vez marchado Eno entre el 73 y el 75. Luego se separaron temporalmente y se reunieron de nuevo a finales de los años setenta.
Esta última etapa que va entre el año 79 y el 82 es la mas exitosa en cuanto a ventas de discos pero no en cuanto a creatividad. Y es en el año 1982 y en su momento de mayor exito cuando se separan. En este año publica su disco más conocido y mas vendido:"AVALON". Este disco se caracteriza por sus canciones melodicas y de amor. Ofrece un sonido muy sotisficado y muy en la linea de su líder Brian Ferry.

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Soledad Gimenez: La Felicidad

2008-02-10T18:58:00.000+01:00

Tenía muchas ganas de que saliera el nuevo Cd de Soledad Gimenez, incluso hace un mes cuando realizé el comentario de su primer trabajo "Quizás" ya anuncié que estaría preparado para poner el nuevo disco. Lo lamento, pero mi debilidad por la voz de esta mujer, supera mis fuerzas. Canta como los ángeles, pero avisaré que no hay sorpresas, es más, como siempre, lo mejor no es lo que se va a escuchar por las radios, su primer single promocional que canta con Ana Belén, sino que hay que profundizar en el disco y escuchar despacio, todo él. No hay decepción, pero cuidado, para los que buscan novedades y sorpresas no os vais a encontrar nada fuera de lo común, suena a presuntos implicados, suena a jazz valenciano, suena a su voz, a su intimismo habitual y las letras tinene un sabor especial por que claramente marcan ese "miedo inicial" de una artista que no sabe si lo que ahora canta y escribe, va a gustar a su público. Tranquila "sole", tus incondicionales no lo notarán, y los que estén dispuestos a gastar 60 minutos de su tiempo van a agradecer que no te hayas ido ni de ti ni de tu estilo, ni del corazón de cada uno. Soledad Gimenez es una gran artista y este va a ser otro de esos discos que se guardan por los siglos de los siglos.

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Prince: Purple Rain

2008-02-10T01:37:00.000+01:00

He leído tantísimas cosas de Prince que al final no se qué llegar a poner de él. Pienso que en el fondo no puedo alabar a un artista que “se lo ha creído” y que en un principio SÍ lo hizo muy bien pero con el tiempo ha muerto de éxito, y eso le ha dejado en muy mal lugar. Caprichoso, maleducado insoportable pero “artistazo” de los pies a la cabeza. Ese es Prince, el que tanto entregó en sus 6 ó 7 primeros discos, que era encontrar sorpresa tas sorpresa pero hasta que llegó un maldito momento en su carrera y fue grabar la banda sonora de la película BATMAN en 1989. Ahí se mató, quizás así no lo pensó en su momento pero esto le llevó a mal entender su futuro musical, y la sorpresa se volvía desilusión cada vez que volvía a escuchar un nuevo disco suyo.
Pero el tiempo, pone a cada uno donde se merece. Y ahora volver a escuchar sus primeros discos, descubro su capacidad para innovar y para ofrecer un punto de vista muy vigente, aun , hoy en día. Yo diría la famosa frase “... A Prince muerto... Prince puesto...”
Recomiendo para información total de Prince, la tradicional WIKIPEDIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Prince

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Billy Joel: Piano Man

2008-02-08T23:01:00.000+01:00

William Martín (Billy) Joel, nace el 9 de mayo de 1949 en Hicksville, Long Island-Nueva York. Cantante, compositor y pianista estadounidense.Billy Joel graba muchos éxitos populares como "Piano Man", desde 1973 hasta su retiro para grabar música pop en 1993. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que tienen éxitos en el "Top Ten" de los '70s, '80s, y '90s. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones (incluyendo el Grammy Leyenda por su contribución a la música).Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos, su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra entre otros, canciones que permanecerán inmortales através de los años y que han emocionado a 3 Generaciones completas. Billy Joel es ante nada un sagaz contador de historias, un trovador rockero, su sello particular, melódicas canciones Pop/Rock con un toque sutíl y fantástico piano, como letra, cualquier historia que Joel pudiera contar, que iban desde viajes, fiestas, historias amorosas, y encuentros inesperados.Existe otra version de esta cancion del grupo Westlife.El videoclip de Billy Joel se desarrolla en un taller mecanico, y el de Westlife en una cafeteria, la chica en cuestion de este videoclip es Claudia Schiffer.

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Michael Jackson: Bad

2008-02-07T23:59:00.000+01:00

No me podía olvidar de la figura más grande que ha dado el mundo del pop. Pese a todo lo que pueda deparar el futuro de Michael Jackson, su legado es ya mítico. Después de triunfar desde muy pequeño con sus hermanos, en 1979 graba el primer disco de muy posiblemente la trilogía más mediática y vendedora de la historia de la música. Era el “Off the wall”. Más tarde llegaría “Thriller” en 1982 y BAD en 1987, el álbum más esperado de la historia de la música. Después del gran sabor de boca que había dejado “Thriller”, no dejábamos de preguntarnos con qué nos sorprendería Jackson en su nuevo disco. Y pasaron 5 años hasta que apareció BAD. Como no podía ser de otra forma, para el disco se puso toda "la carne en el asador". Nuevas tecnologías, los mejores músicos de sesión, productores (Quincy Jones), invitados de lujo, como las voces de gospel del coro de Andrae Crouch y la familia Winans, los cantantes sudafricanos Letta Mbulu y Caiphus Semenya, el legendario organista de jazz Jimmy Smith, Stevie Wonder... El disco se abría con la canción que le daba título, una sola palabra, igual que en “Thriller”. El tema salió como segundo single del álbum, y contó con un vídeo dirigido por el director de cine Martin Scorsese. Michael invitó al gran genio de la música, Prince Roger Nelson, en lo que podría haber sido el dúo más explosivo que jamás se hubiera hecho, pero el de Minneapolis desistió la invitación. La canción estaba inspirada en un chico que se vuelve en un criminal y acaba en la cárcel. “Who's bad?” (quién es el malo?). The way you make me feel es el tema más sexy del álbum, y tercer single. Michael en una actitud provocativa intenta conquistar a su chica en el vídeo, siendo un pequeño homenaje a la película Grease en donde John Travolta quiere conquistar a Olivia Newton Jones. Don't girl, y sus suspiros y gestos habituales con un pop electrónico abren una de las sorpresas del disco. Speed Demon es la tercera canción. En la película Moonwalker podemos ver el vídeo en el que Jackson se convierte en un animal que va a toda velocidad en moto. Así es como comienza la canción con un sonido de motocicleta. Liberian Girl es una de las baladas del álbum. Habla de un sentimiento hacia una joven mujer con la que no puede entenderse. Muy exótica. El disco continúa con Just Good Friends, una canción cuya letra es similar a The girl is mine del Thriller. Stevie Wonder y Michael se dicen el uno al otro no asumir nada porque la chica en cuestión esta seduciendo al otro. Continúa con Another Part Of Me, un tema de color positivo, antes de llegar a uno de los temas estrellas Man In The Mirror, escrito por Siedah Garret y Glen Ballard. Una gran letra para una música y melodía fantástica, make a change, por un cambio a un mundo mejor. Un tema con el que el rey del pop ha cerrado muchos de sus conciertos...Siedah Garret también acompaña a Michael en I Just Can't Stop Loving You, el primer single del disco, que comenzó a sonar en la radio el 22 de julio de 1987. Una gran canción de amor, con mucha pasión. Otra de las canciones que más dió que hablar fue Dirty Diana, por su relación de amistad-odio con Diana Ross, ¿el título iba con dedicatoria?. Es lo más rock del disco. Smooth Criminal es otro de los temas estrellas. Con otros de esos vídeos a los que Michael Jackson nos tenía acostumbrados, y base de la película Moonwalker. De lo más funky de Michael, no deja de repetir Annie are you ok?. El vídeo se desarrolla en un club de los años 30 y Michael Jackson con su coreografía consigue derrotar a los malos. Leave Me Alone es el tema que cierra el disco, aunque no aparece en todas las ediciones. Por estas cosas incompresibles (o no tanto) que tiene la música, el videoclip se llevó el Grammy, algo que no consiguió el de Smooth Criminal. El disco se movió en cifras multimillonarias, y hoy en día, seguramente será uno de los 5 ó 10 más vendidos de la historia. La gira fue también increible. “El mayor espectáculo del mundo”, anunciaban por entonces, y desde luego, podía serlo. Esta versión descargable que os dejo en el enlace es la reedición que se editó en el 2001 con entrevistas exclusivas con Quincy Jones contando cositas (en inglés) de algunas canciones y anécdotas de la grabación del disco.

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Babyface: MTV Unplugged

2008-02-05T19:23:00.000+01:00

Kenneth Brian Edmonds (nacido el 10 de abril de 1958 en Indianapolis, Indiana), conocido profesionalmente como Babyface, es un exitoso cantante afroamericano de R&B y pop, compositor de canciones, productor musical y cinematográfico, guitarrista y empresario.Edmons, el quinto de seis hermanos, asistió al instituto North Central de Indianápolis, y durante su tímida juventud comenzó a escribir canciones para así expresar sus sentimientos. Edmons más tarde tocaría con la superestrella del funk Bootsy Collins, autor del apodo "Babyface" con el que se le comenzaría a conocer al joven cantante. También actuó con grupos como Manchild (quienes alcanzaron el éxito con el single "Especially for You" en 1977) y el grupo de R&B y funk The Deele (grabaron tres álbumes en la década de los 80). Hacia el final de la carrera de Deele, Babyface firmó un acuerdo con Solar Records, lanzando su álbum debut Lovers en 1986. Babyface está también asociado con los grupos de R&B After 7 y Milestone, en los que forman parte sus hermanos Kevon y Melvin, respectivamente.En 1989, Babyface fundó el exitoso sello discográfico de R&B y hip hop LaFace Records con Antonio "L.A." Reid. Dos de los primeros artistas firmados, Toni Braxton y TLC, alcanzaron un éxito masivo. El álbum debut de Braxton de 1993, titulado igual que ella, vendió más de ocho millones de copias, y ganó un Grammy como "Mejor Artista Nuevo" del año 1994. Mientras tanto, los dos álbumes de TLC en LaFace (Ooooooohhh.... On the TLC Tip en 1992 y CrazySexyCool en 1994) se combinaron para vender más de 15 millones de copias y CrazySexyCool ganó el Grammy al "Mejor Álbum R&B" de 1996.Edmons también está detrás de algunos de los mayores éxitos del R&B contemporáneo. Escribió y produjo los singles de Boyz II Men "End of the Road" y "I'll Make Love To You", canciones que establecieron récords de permanencia más larga en el número uno de la lista de Billboard Hot 100. En el éxito #1 "Take A Bow" de Madonna (1995), colaboró en los vocales de fondo, y además ha producido y escrito música para artistas como Michael Jackson, Janet Jackson, Whitney Houston, Patti LaBelle, Céline Dion, Mary J. Blige, Mariah Carey, Eric Clapton, Madonna, Aretha Franklin, Ken Hirai, Pink y Sheena Easton entre otros, y ha recibido tres premios Grammy consecutivos al "Mejor Productor del Año" en 1996, 1997 y 1998.A mediados de los 90, Edmons y su esposa Tracey Edmonds crearon la compañía cinematográfica "Edmonds Production Company", y produjeron películas como Soul Food (1997) y Josie and the Pussycats (2001). Babyface también colaboró con David Foster para componer el tema oficial de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996, cantado por Linda Thompson.Babyface está participando en un single benéfico compuesto y producido por Michael Jackson. Se ignora si aparecerá en los vocales o como productor. El título del tema es "I Have This Dream".

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Eric Clapton: Reptile

2008-02-03T22:29:00.001+01:00

Habitualmente, cuando escribo una reseña del disco que “posteo” (del verbo “postear” de Internet “post” o entrada o posta o lo que nos apetezca, y que Internet se encarga de castellanizar) pues me empapo lo suficiente del artista o disco al que hago referencia. En algún otro caso os re-direcciono hacia alguna página que da una información que estimo muy fiable o en otros casos directamente cuento alguna historia personal o conocida acerca del disco que lleve una relación directa. Esta vez me he perdido en un detalle de Eric Clapton y es que como algunos / as sabéis a Clapton se le llamaba “mano-lenta” (en inglés “Slowhand”) pero no he podido saber exactamente por qué. En su pagina oficial, cuenta una versión, en reseñas leídas de su biografía he sacado otra y después he encontrado otras que me parecían más o menos reales. Estas han sido las 3 teorías:
Una de ellas dice que su apodo es debido a que en sus primeros conciertos, solía romper las cuerdas de la guitarra y tardaba un buen rato en poner cuerdas nuevas. De ahí que la gente se impacientara y lo llamara Slowhand.
La segunda dice así, Eric Clapton solía tener dificultad pagando las copas en los bares en los que actuaba. ¿Será esta anécdota la consecuencia del cabreo de algún barman?
Otros, sin embargo, atribuyen su apelativo a la velocidad con la que toca la guitarra. Bueno, no es un hombre que haya destacado por sus rifs vertiginosos, pero no creo que Slowhand sea tampoco lo más apropiado…
El caso es que esta vez de su biografía os remito por ejemplo a http://www.todomusica.org/eric_clapton/ que me parece que no resume nada mal quien es y a que se ha dedicado.
Recomiendo esta vez este disco porque de los últimos editados por “Slowhand” Clapton me parece delicado, evocador, muy cuidado, y nada pretencioso, lleno de buen blues, fácil de escuchar y totalmente lleno de contenido.
Ya se que hay discos de él mucho mejores, pero esta vez me decanto por este REPTILE que no debe faltar en una buena colección de discos
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Jennifer Lopez: This is me ... Then

2008-02-01T00:00:00.000+01:00

Lo lamento. Se que este momento, antes o después, tenía que llegar, se llama Jennifer y se apellida LOPEZ, un apellido, español, como Dios manda. Y digo que siento la llegada de este momento porque cuando veo y oigo a JLO tanto cantando, como en foto o actuando en una película, se me cae la baba, y se me nota mucho. Diría que sería por la única mujer del papel “couché” que perdería hasta el sentido, me gusta tanto que.... Bien, ¡paro!!!!!!!!. No quiero delatar más mis debilidades, por que si no se me va a notar en exceso que me gusta demasiado y no voy a poner equilibrio en mis comentarios. Estamos ante el tercer disco en la carrera de la “López” que ni de lejos fue el mejor en éxitos de ventas pero con mucho es el de mayor calidad. No hay ni un solo tema despreciable y el tema que podéis escuchar en el reproductor de aquí abajo es una composición original de Carly Simon que la JLO saber cantar y dominar, de una manera que ha superado a la original. Solo un par de cosas más. El trabajo tanto de actriz como de cantante, de esta mujer, es infinito, desde sus comienzos, a si que pasearos por su pagina en WIKIPEDIA y en esta OTRA y os vais a enterar mucho mejor de todo lo que hace, actúa, canta, baila y lo que le queda por hacer.
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Supertramp: Even in a quitest moments

2008-01-29T22:54:00.001+01:00

Aun recuerdo perfectamente el día que mi hermano trajo a casa, prestado por un amigo, este disco. Fue impresionante, cómo sonaba. Y aquella guitarra de 12 cuerdas de metal para abrir el disco en “Give a little bit” era arrolladora. Recuerdo que cuanto más lo oía más me gustaba hasta que de repente un día fui a ponerlo, y sorpresa mía, ¡YA NO ESTABA! Vaya decepción ... Y es que resulta que el disco era prestado, como siempre, si algo era bueno, no teníamos dinero para comprarlo, pero mi hermano no hacía nada más que coger su guitarra acústica y repetir y repetir las notas de aquella canción que tanto me hizo soñar. Supertramp, se había colado en nuestros sueños musicales, y gratamente ya no se fue. Al poco tiempo conseguimos reunir unos ahorros mi hermano y yo y nos lo compramos a medias. Vaya!!! Como venerábamos aquella portada, cuantos momentos de esplendor, sonaba como los ángeles en aquel “estéreo” que le compró mi padre a mi hermano por haber aprobado a fin de curso, hacía 2 años. Y con los días fui descubriendo que a ese disco no le fallaba ni una sola de las canciones, “Babaji”, “From now on”, todas, todas, hasta que aquello se quedó pequeños y con el “Fools overture” (La obertura de los locos) tuve casi un éxtasis musical y encontré entre las colecciones de amigos y hermanos de amigos todos los anteriores discos. Cayeron en mis garras y fueron grabados en nuestros “cassettes” de la época (los mp3 de los pobres de entonces que no teníamos para comprarnos más de un disco cada 2 meses a lo sumo) y con todo ese material aprendimos lo que era el rock sinfónico, el rock progresivo y la utilización de instrumentos de orquesta para hacer un disco grabado para la eternidad.
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Terez Montcalm: Woodoo

2008-01-29T13:06:00.000+01:00

Térez Montcalm es uno de esos genios ocultos, en la línea de la nueva ola de cantantes de jazz, mucho más cercano al gran público, con un ritmo y una sensibilidad especial. La descubrí la pasada semana en un programa de radio muy generalista como una gran cantante y me deslumbré con su estilo. En cualquiera de sus discos, podéis encontrar diversos estilos y actitudes, no como hoy es habitual, encontrar discos planos, en el sentido que escuchas una y ya has oído todas las canciones, con Térez Montcalm, cada corte es una nueva aventura, una sorpresa. Su voz me conmueve, sus letras, sus desgarros, ha sido para mi un descubrimiento importante. Totalmente recomendable os lo aseguro.
Espero sepáis disculpar la torpeza de mi pobre entender del jazz, la falta de conocimiento de este apartado musical, pero poco a poco descubro muchos atractivos en este revelador estilo, pero he preferido no esperar mas, empezar a publicar y comenzar a compartir todos estos artistas.
Tras "Risque" y "Parle pas si fort" sus dos primeros álbum Terez Montcalm llega ahora con "Voodoo" su trabajo mas ambicioso. Comparada con Janis Joplin, Edith Piaf y Ella Fitzgerald, se desmarca con su originalidad. Con la participación de Michel Cusson, este álbum da luz a tres canciones propia y grandes clásicos de Elton John, Jimi Hendrix, y el más que conocido “Sweet Dreams” de los Eurythmics pero todo bañado con el caramelo del jazz.
Por cierto, “Terez” es de Québec (Canadá), es francofono-parlante y excepcionalmente este disco está grabado totalmente en Inglés, aportando no solo la voz a esta obra sino también mucha guitarra

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Ximo Tebar: Son Mediterráneo

2008-01-27T19:31:00.000+01:00

En mis tareas de investigación a cerca de los artistas que ponemos en cada entrega, encontré a Ximo Tebar, este músico español de Jazz que sorprendentemente tiene una fama internacional, más que reconocida. Esta vez me voy a evitar casi transcribir lo que se, o he averiguado de él. Buscando interesantes canciones de SOLEDAD GIMENEZ, tuve la suerte de encontrar un tema que grabó junto al guitarrista de jazz Ximo Tebar (tema que podéis escuchar debajo, en el reproductor de esta entrada, y que he puesto de “Extra” en este disco) y me sorprendió que sonaba a una extraña mezcla entre PRESUNTOS IMPLICADOS (y la voz de Sole Gimenez) y a GEORGE BENSON. Y la verdad es que no me equivoqué absolutamente nada. Ximo Tebar es un afamado compositor y guitarrista de Jazz nacido en Valencia (España) hace 45 años y ha trabajado promocionando el mejor jazz y jazz-fussion, pop y funky que se puede elaborar en España. Ha trabajado codo con codo con artista de renombre internacional, como el propio George Benson que citaba anteriormente, Spyro Gira, Path Metheny, Frank Zappa, Double Image, Tete Montoliu, Lou Benet, Pedro Iturralde, Lou Donaldson, Dr. Lonnie Smith, Louie Bellson, Jorge Pardo, Joey DeFrancesco, Mike Mossman, Jan Ackerman, etc. Y la lista, como veis, se hace interminable.
En definitiva es un artista mucho más que interesante y que recomiendo conozcáis más a fondo su biografía en este enlace: http://www.jazzspain.net/web/ximotebar/xtbiografy.htm
Ximo, además, ha creado un estilo, dentro del jazz, que se ha dado en llamar el Mediterranean Jazz Fussion Latin & Groove algo raro de nombre pero que suena a jazz fussion a español y a mediterráneo.

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Ray Parker: After Dark

2008-01-23T23:59:00.001+01:00

Ray Erskine Parker Jr., nacido el 1 de mayo de 1954, en la ciudad de Michigan, Detroit. Es un compositor y músico (guitarrista) estadounidense de R&B.En un principio, fue un aprendiz del cantante Barry White, e incluso, apareció brevemente tocando su guitarra, en una película filmada en 1974, Uptown Saturday Night.Desde 1978, formó parte del grupo Raydio, también de estilo R&B, compuesta por Vincent Bohnam, Jerry Knight y Arnell Carmichael, con mucho éxito. Incluso, Ray componía temas a músicos y cantantes como Stevie Wonder, The Spinners, entre otros.Desde 1981, inicia su carrera como solista, su mayor éxito fue "The Other Woman", del mismo año, estuvo en los primeros lugares en los Hot 100 de los Billboard. Su éxito mundial, fue cuando compuso el tema principal de la película Los Cazafantasmas (1984).Y curiosamente siendo por este trabajo prácticamente conocido de manera mundial, su labor es extensísima como músico, compositor, arreglista, productor y colaborador en discos de múltiples estrellas como Temptations, Stevie Wonder, The Spinners o la mismisima Diana RossEn 1985 tras perder "amistosamente" un litigio entre su compañía discográfica y la banda americana "Huey Lewis and the News"por plagiar un tema de estos, en su exito "Ghostbusters", emigra a la compañía de Jazz-Funk "Geffen Records" con la que graba el disco que hoy os traigo. After Drak es un alarde de R&B bien hecho, tiene pasajes sublimes, excelentesbien elaborados y sorprende cuando se escucha y se sabe que es el mismísimo autor de los Cazafantasmas porque esun derroche de belleza y corecta producción y grabación.Para mi discreta razón, apuntaría 3 canciones iompecables en el disco, "Perfect Lovers" inspiradora balada de lo mejor que se compùso en los 80, "I think that man should sleep alone" y buen "medio tiempo" acabando en pegadizo y arrebatadory por último "after Midnight" que remata el disco hasta llevarlo a lo más alto en su parte instrumental.Sorpresón para deleitarse un buen rato .

AFTER DARK RAY PARKER

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Sade: The Best of Sade

2008-01-22T00:06:00.000+01:00

Helen Folosade Adu es su nombre de pila, SADE ADU su nombre musical. Nacida en Ibadan, Nigeria, y criada en Colchester, Essex, lugar al que se mudó a los cuatro años de edad luego de que su madre inglesa se separara de su padre nigeriano.Sade, a lo largo de su vida, siempre ha tratado de hacer todo aquello que siente que es correcto, honesto y verdadero. Para ella, en comparación, nada le ha parecido más importante que esto. Mientras crecía, Sade escuchó la música soul de artistas como Curtis Mayfield, Donny Hathaway y Marvin Gaye.Sin embargo, ella no pensaba en la posibilidad de ser cantante. En lugar de la música, decidió estudiar moda en el St. Martin’s Art College, haciendo de vocalista únicamente cuando dos de sus compañeros de clases formaron una banda, con la condición de que lo haría “hasta que ellos encontraran a una cantante más apropiada”. Desde ese momento y hasta que se vio como cantante en la banda de latin funk Pride a principios de los ochenta, Sade fue descubriendo el extraño placer que significa escribir canciones.Durante su estancia con Pride, Sade co-escribió “Smooth Operator” junto a Ray St. John, y fue a partir de ese momento en que ella decidió abandonar su timidez y tomar el centro del escenario frente a su propio grupo formado por los ex-miembros de Pride, Stuart Matthewman, Andrew Hale y Paul Spencer Denman.En 1984, su primer sencillo, “Your Love Is King”, logró ser un hit de las listas de éxitos top ten. Y así, abruptamente, Sade se convirtió en un icono.
Con el lanzamiento en 1984 de su álbum debut, “Diamon Life”, Sade se comunicaba con una audiencia global. Incluyendo los temas de éxito “Your Love Is King”, “Smooth Operator”, y “Hang On to Your Love”, el álbum permaneció 98 semanas en las carteleras del Reino Unido y 81 semanas en la cartelera de Billboard.Sade recibió premios por Mejor Álbum y el Grammy por Mejor Nuevo Artista. Luego de “Diamon Life” vino “Promise”, un rico y evocativo disco que nos hizo entrega de excelentes temas como “Is it A Crime” y “The Sweetest Taboo”, el cual ha sido uno de los temas más difundidos en la historia de la radio. Como su predecesor, este álbum también fue un éxito internacional multi-platino.
Tres años después juntó a su grupo de nuevo para grabar “Stronger Than Pride”, su disco de 1988, produjo memorables sencillos como “Paradise”, “Love Is Stronger Than Pride” y “Nothing Can Come Between Us”. El impacto de este disco se propagó por toda la Europa continental, Australia, Y Japón en la forma de un tour que incluyó, también, sus primeras presentaciones en los estadios de los Estados Unidos.
En 1992, Sade lanzó al mercado “Love Deluxe”, un disco atrevido y emocionalmente honesto que ganó un gran respaldo en el ámbito comercial y de la critica especializada. En los estados Unidos estuvo 90 semanas en la cartelera Billboard, mientras que el sencillo “No Ordinary Love” fue incluido de manera prominente en la película de Robert Redford “Indecent Proposal” (Una proposición indecente).En 1996 pudimos apreciar los 16 temas de “Best Of Sade”, y en el año 2000 y después de 40 millones de discos vendidos, Sade nos saca al mercado “Lovers Rock”. Sin pretensiones y sutil, este disco, que a simple vista puede parecer simple, nos muestra el gran talento de Sade como escritora de canciones que llevan un sello de refinamiento.Con temas como el humilde y acústico “Sweetest Gift”, el emotivo “All About Our Love”, y el conmovedor “Slave Song”, este es un disco cálido, intimo, y sensible. En “Lovers Rock”, así como en discos anteriores, Sade continúa describiendo los secretos susurros de los deseos del corazón, manteniéndose honesta consigo misma y con su trabajo, siempre tratando de ir mas allá y de llegar más alto.

Esun honor para AgoradeMúsica que te descargues ESTE DISCO DE SADE

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Pioneer The Album Vol 1: House (2000)

2008-01-16T19:39:00.000+01:00

De sobra es conocida esta colección que cada otoño puebla las pantallas de nuestros televisores con kilos y kilos de publicidad. Desde el año 2000 la discografica "Blanco y Negro" edita el que es uno de los recoplilatorios referencia cada año, el famosísimo "Pioneer". Esta vez traigo lo que fue su volumen número 1 y concretamente el disco dedicado a la música "house" que si uno le echa una ojeadad y degusta la selección realizada podemos admirar el esquisito gusto con que fue realizada esta selección y además cada uno de los temas fue éxito absoluto: Modjo y su eterno "Lady", Bob Sinclair, Afro medusa, La viana y tantos y tantos que son plenamente conocidos, y ya se han convertido en clásicos del "house" en las pistas de baile más selectas.

A romper el esqueleto con este PIONEER Vol. 1 HOUSE

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Kenny Rogers: The Very Best

2008-01-16T13:30:00.000+01:00

Kenny Rogers nació El 21 de agosto de 1938 en Houston Texas. Este cantante country creció en uno de los sectores más pobres de la ciudad. Su padre, John Rogers, quería que compusiera dos canciones desde que era niño, como las de "The coward of the county" "Ruby don't take your love to town", empezando su carrera artística. Tuvo la influencia de varios músicos de la música country y soul, tales como Nat King Cole, Charly Daniels, Arthur Alexander y Chuck Berry. En 1977 logró un éxito descomunal con su sencillo "Lucille" que arrasó en las listas estadounidenses de country y además en los rankings de música pop. Otro de sus grandes y memorables éxitos es el tema "Coward of the County". Actuó junto con Barbara Streisand en la película “Nace una Estrella”. Ha hecho duetos junto a otros artistas como Dolly Parton, Sheena Easton, James Ingram, Dottie West, Alison Krauss, Ronnie Milsap, Nicky Rider, Kim Carness, Gladis Gladis Night,.Y tras su separación de la que fue su banda inicialmente (The First Edition) a finales de los setenta, se lanzó a una carrera repleta de enormes éxitos, esta vez en solitario pero ayudado en la producción de su música por artistas de tal calibre como Lionel Ritchie Jr, tendiendo a estilos más cercanos al pop que al country, que fue su estilo inicial. Su decadencia llega a finales de los ochenta dedicándose hasta la actualidad a regentar una cadena de comida rápida en los USA, labor que en la actualidad, alterna con actuaciones estelares en la Vegas y lugares de similar calibre. Tuvo, también, a principios de los ochenta, una incursión en el cine con dos títulos a raíz de sus éxitos musicales, “The Gambler” (El Jugador) de temática relativa al título de la canción. Importante para la música americana, Kenny Rogers ha sido un artista peculiar, único, de voz ronca e inconfundible y que supo pasar del Country al Pop con una habilidad muy seductora.
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Soledad Gimenez: Quizás

2008-01-14T22:41:00.001+01:00

Solo nos queda un mes escaso, para poder disfrutar del nuevo álbum de Soledad Gimenez, la “separada” cantante de Presuntos Implicados que se llamará “La Felicidad” y del que hace dos días ya he tenido la oportunidad de escuchar su primera canción de adelanto, y del que espero ocuparme, cuando salga, en su oportuno momento, hoy he decidido traer su, de momento, único álbum editado en solitario allá por el 2004 y que se titulaba “Ojalá”. Creo que es una correcta manera de empezar a abrir boca de lo que va a ser su nuevo disco. Quiero hacer mención no solamente a la calidad, la belleza, la dulzura y la sensualidad de su voz sino a un aspecto mucho más significativo y que de verdad sí se nota en este disco. Ella misma comentaba que todas las canciones que contiene, de alguna manera u otra, le han hecho llorar. Es muy difícil averiguar en un artista este aspecto y que quede reflejado en un disco, pero “Sole” lo consigue, se nota, se palpa, se aprecia, incluso hay pasajes tan espectaculares, que no queda otra cosa que hacer, que llorar y dejarte llevar por esos instintos tan emotivos. Me temo que en un mundo tan mercantilizado como es el actual, nos falta un profundo aparatado para el intimismo con notas de personalidad, ese intimismo individual, que cada persona lleva en su alma y que no sale a la luz ni de nuestras personas más allegadas.
Soledad Jiménez hace valer su experiencia en un disco dedicado a canciones todas ellas clásicos de los 60, 70, 80 y 90. Obtienen con su voz otra dimensión, no solamente te transportan a esos momentos, sino que renacen hoy, con un sabor algo más que especial.
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Aaron Neville: The Grand Tour

2008-01-13T00:14:00.000+01:00

Aarón Neville es un cantante de color de Nueva Orleáns nacido el 24 de Enero de 1941 (67años. Su estilo es Soul y R&B ya que sus conocimientos musicales parten de la música gospel negra que se realiza en los pueblos sureños de Louisiana. Desde muy joven integra junto con sus hermano la banda “Neville Brothers” que abandona a finales de los 80 no sin antes haber cosechado multiples exitos y fama con ellos. Es muy importante y destacable las colaboraciones con Linda Ronstad con la que hizo 3 duetos que llegan a estar en los TOP 10 de las listas americanas. A principios de los 90 se independiza de su banda de hermanos y comienza su andadura en solitario con hasta el momento 21 discos editados, su carrera como se ve es altamente prolífica y su capacidad compositora, propia de un artista de altísima calidad. Ha ganado 3 premios Grammys, en 1989 y 1990 como mejor cantante Pop de grupo y en 1994 mejor cantante de colaboración Country con Linda Ronstad y ha sido nominado otras 16 veces más por distintos trabajos en géneros como el gospel, el pop, el R&B o el Country. Sus colaboraciones con o para otros artistas salpican una andadura de lo más variopintas: la ya mencionada e importante con Linda Ronstad, Kenny G, Robbie Robertson, Aretha Franklin y Dr John, aparece en colaboraciones musicales para obras de Disney, la opera rock “The Young and the Restless”, con Chaka Khan, Mavis Staples, Chris Botti, David Sanborn, Art Neville, y la lista se hace interminable. Es tan importante este arista, para la música americana y como tan poco conocido en Europa.Hoy, he querido aportar un disco que, ni de lejos es el mejor de su carrera, pero para mí el más delicado, serio, y representativo de su música. Y todo un homenaje, que llevo en el recuerdo de lo más profundo de mi corazón, para mi hijo César, que nació en el año en que este disco se editó en España. Escucharlo cada vez me recuerda los días de su nacimiento, y es, con este artículo, un homenaje para mi seguidor número uno. La canción “My Brother, My Brother” es un brindis para él y el más bello recuerdo musical, de sus primeros días de vida, escucharlo es, la banda sonora de aquellos imborrables momentos.Espero que disfrutéis, descubráis, y os deleitéis con este artista, tanto como yo lo hago cada vez que lo vuelvo a escuchar.
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Joan Manuel Serrat: Mediterraneo

2008-01-11T18:44:00.001+01:00

Ponerme ahora a describir la vida y la obra de Serrat, me parece hasta irresponsable, recomiendo que utilicéis los cientos de millones de páginas que se han publicado sobre su vida y su obra. Pero ¿por qué entonces traigo hasta aquí este disco si es mucho más que conocido?. La respuesta es compleja y fácil a la vez. Vamos a ver... cada vez que me pongo delante de mi colección analizo que poner y que decir de cada artista o de cada disco que pienso puede ser válido para subir a este blog, pero de este disco me parece que a veces damos por ello que todo el mundo lo tiene pero descubro que todo el mundo lo conoce y que muy muy pocos lo tienen. Bueno, pues si la situación es esta, aprovecho esta espléndida oportunidad para compartir el disco que me vio crecer en mi juventud, que tiene ese toque poético necesario, que resume qué aporta Serrat a la música en el mundo. Y escuchando hoy de nuevo cada canción, mi cabeza vuela a esos duros años 70 en los que sobrevivir era un ejercicio de responsabilidad, me suena a tiempos de serie de la TVE canal 1 “Cuéntame”, me suena a que si alguien quiere musicalizar algún poema de los grandes de la literatura del mundo, primero le pides permiso a Serrat y si él no lo va a cantar, que lo haga quien se atreva.
En definitiva, que no por muy conocido, seguro que falta en cualquier buena colección musical y que el disco no es que lo considere imprescindible, es que no tenerlo !!!!!es delito!!!!!!. Como siempre hay alguien que quiere conocer a fondo la biografía de Serrat les recomiendo este ENLACE

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Lighthouse Family: Gratest Hits

2008-01-10T22:52:00.000+01:00

Lighthouse Family es un dúo de Newcastle (UK) formado por Paul Tucker (Inglés) y Tunde Baiyewu (Nigeriano) Todo nace de la mente y la idea de producir música de Paul Tucker, que compuso un single, "Ocean Drive", para el que tuvo que esperar a conocer a un vocalista para salir publicado (unión que les facilitó un Dj y los cientos de anuncios puestos por Tucker). Así que tras la unión Inglés-Africana y varias sesiones de estudio produjo el sonido deseado por Tucker y se empezó a gestar su primer álbum, Ocean Drive. Lp que no arrancó con buen pie en las listas de UK hasta el lanzamiento del segundo single, el conocidísimo "Lifted" que les aupó al Top 5. Cabe destacar la colaboración de Tim Lawes (productor de Gabryelle) y algún componente de Simply Red, para un disco que apuntaba muy buenas maneras.
En 1997 lanzan el segundo disco “Postcards from Heaven”, con buen aire “soul” y excelentes coros, que denotaba más pegada que el primero.
“Whatever Gets You Through The Day”, tercer disco de Lighthouse Family que vio la luz en 2002 muestra una vez más orgullosamente todas esas cualidades que han llevado a mucha gente a creer que Tunde Baiyewu y Paul Tucker tienen totalmente asimilado el estilo Pop. Pero, teniendo en cuenta que los dos primeros discos tuvieron tantísimo éxito que originaron giras promocionales y conciertos en directo que no terminaron hasta la primavera del 99 – sumando todo ello a seis años de frenética actividad desde que firmaron con Polydor en 1993- y que después, Paul se tomó un descanso para atender a su tercer hijo nacido prematuramente, y la madre de Tunde desgraciadamente murió poco después de él mudarse a Londres, entonces está claro que el camino hace la creación de “Whatever Gets You Through The Day” no ha sido precisamente fácil y tranquilo. El primer single unifica el “I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free” de Nina Simone y “One” de U2, y es un maravilloso ejemplo de estos atributos. Los arreglos de Paul del original crean una base no muy complicada para la emotiva interpretación de Tunde de una canción que fue en los sesenta un himno a los derechos civiles de los negros.Y desde entonces poco más se supo, a parte de este Greatest Hits (2002, y reeditado en 2006) y The Very Best Of (2003). Amén del último single editado para el Greatest Hits en 2002 (la alegre "I Could Have Love") y un DVD de Vídeos (2007); así como la pequeña y poco gloriosa aventura en solitario del vocalista Tunde con un álbum en solitario por allá 2005. Y así acaba, por lo visto, la carrera de el grupo más prolífico y cuidado de Pop y Soul de la era moderna. Belleza sonora y un nivel de ventas asombroso (2,5 millones el primer álbum y 3,7 el segundo).

DESCARGA LIGHTHOUSE FAMILY

Donald Fagen: The NightFly

2008-01-07T00:07:00.001+01:00

Donald Fagen es el 50% de la mítica banda “Steely Dan” que en plenos 70 y 80 lanzaron álbumes míticos y que pasaran a la historia de la música pop. Con fuertes influencias del jazz-fussion, y con la experiencia que da haber editado hasta entonces 10 discos junto a Walter Becker (el otro 50% de “Steely Dan) Donald se lanza a este disco en solitario, y la idea le sale perfectamente, es un disco sobrio, elegante, perfectamente creado, magistralmente interpretado y no podía ser de otra manera ya que llevaba trabajando más de 5 años con álbumes en estudio exclusivamente y esto marca un estilo. Con producción propia lo que marca aun más si cabe, su estilo, da una visión de lo que este artista pretende mostrar al mundo y de verdad que lo consigue. Alterna a lo largo de más de 30 años su labor en solitario con un total de 4 álbumes ( este “The Nightfly, Live at the beacon, Kamakiriad, y en el 2006 Morph de Cat. También a lo largo de los 80 y los 90 realiza diversos trabajos para la música, dirige una revista neoyorquina de soul, compone música para alguna banda sonora del cine americano y reúne de nuevo a Walter Becker para continuar con su “Steely Dan” que tantos éxitos les han proporcionado.
Este THE NIGHT FLY es un disco para una buena colección que es imprescindible en cualquier biblioteca musical, un canto a la calidad y un perfecto ejemplo de la exquisita música que se proponía desde los USA a principios de los 80

A disfrutar ahora con DONALD FAGEN: THE NIGHTFLY

Revolver: 8:30 A.M.

2008-01-06T20:41:00.000+01:00

El Madrileño Carlos Goñi, líder y vocalista de sus ya tres bandas, Garaje, Comité Cisne y su actual, REVOLVER, es un tipo que salvando las distancias, me parece muy interesante, al menos a nivel musical, claro, ya que sí que tiene claro qué quiere hacer y cómo lo quiere hacer. Soporta cambios que lleva con dudosa tranquilidad, si le oyes hablar en una entrevista, se queja hasta de la madre que le parió (siempre en le buen entendido) pero es que así expresa lo que busca de la vida, y eso lo refleja en sus letras y en su música, honesta, libre, real, cercana, a veces muy cuarentona (nacido en 1961) pero independiente, muy independiente. He elegido esta vez este disco de Revolver, si bien, ni de lejos el mejor disco de Carlos y su banda, sí me parece muy representativo para acercarse a la música de este grupo. Tiene momentos casi sublimes, “eso de saber”, “Ay amor”, “Odio”, “lo que Ana ve”, son piezas de quitarse el sombrero, claro que oído todo el CD despacito, está lleno de buen pop, y eso que, repito, no es el mejor disco. A si que opino que es una buena manera de empezar a conocer a revolver y empezar a respetar y entender que en España se hace buena música.

REVOLVER 8:30 AM.

America: The Definitive America

2007-12-28T23:49:00.000+01:00

America (Gerry Beckley, Dewey Bunnell y Dan Peek) es una banda formada, inicialmente, por tres componentes, Eran hijos de madres británicas y de padres militares americanos destinados en Londres, en las bases aéreas que tienen los EEUU en Inglaterra. Se formaron en el año 1969, de ahí su nombre tan “sonoro” dado que querían representar a esa élite americana residente fuera de sus país. Influenciados por la expendida música que proviene de USA y el estilo folk-rock, tan de moda entonces, intentan, inicialmente, aportar aire fresco del exterior. Y bien que lo consiguen, colocan varios números 1 en listas americanas (A horse with no name, Sister golden hair...) y tantos otros éxitos, si bien en Inglaterra no podían entrar en un mercado que se les antojaba poco favorable. Su estilo musical, muy cercano en aquella época a los “Crrosby, Still, Nash and Young” cosechaban adictos en los USA pero no refrendaban sus éxitos con tanta facilidad en Europa, si bien obtuvieron limitados números 1 en distintas listas. Su armonía vocal, presente durante toda su carrera musical, llegó a oídos de George Martin, productor de los Beatles, lo que les permite su aportación como su productor a lo largo de siete LP´s. Esta colección de bellísimos temas como es el “Definitive America” es una muestra delicadamente representativa, de la maestría de esta banda que marcaron época y que son un buen ejemplo de lo que los USA aportaron a las influencias musicales de los 70. En total, editaron, a lo largo de su carrera, y de momento, un total de 27 discos. Una prolífera labor de creación que aun mantienen viva y que da cuenta de lo mucho que aun pueden aportar a un panorama musical, opino, falto de creadores con talento.
THE DEFINITIVE AMERICA

Tam Tam Go: Miscelanea

2007-12-25T13:27:00.001+01:00

Los hermanos Nacho y Javier Campillo vivían a caballo entre Badajoz y Londres, donde se influenciaron por los sonidos anglosajones que impregnaron, principalmente, la primera etapa del grupo.
Ese mismo año de 1988 publicaron su primer disco, en inglés y titulado "Spanish Shuffle". El único tema en castellano de ese álbum era la canción "Manuel Raquel".
Un año más tarde los Tam Tam Go! publicaron su segundo trabajo, "Spanish Romance", en el que mezclaban temas en castellano y en inglés.
En 1990 publican "Espaldas Mojadas", con el que se dan a conocer masivamente entre el público español. Se trata de su primer disco publicado íntegramente en castellano, tras comprobar en trabajos anteriores que las canciones que más éxito tenían eran precisamente las que interpretaban en el idioma de Cervantes.
Tras su sonoro éxito, deciden separarse para darse un respiro. No estaban preparados aún para asimilar el éxito y la presión que ello conlleva.
Tras unos años en los que los componentes del grupo hiciron distintos trabajos en solitario y colaboraciones con otros artistas, en 1999 reaparecen para publicar el disco "Nubes y Claros", en el que se incluía la canción "Atrapados en la red", que fue muy escuchada en todas las emisoras y devolvió a Tam Tam Go! el protagonismo perdido.
Dos años después, en 2001, editan bajo el mismo sello su primer álbum de grandes éxitos, titulado “Miscelánea”. Al margen de Tam Tam Go!, Nacho Campillo continúa colaborando con artistas tan diversos como Noa (esta vez en el álbum de la artista), Nacho Cano, Los Secretos, Niccoló Fabi, Los Panchos o Armando Manzanero.
En 2003, Nacho Campillo monta un estudio de grabación profesional en Madrid y crea su propio sello discográfico independiente, El Sonado, con el que pretende lanzar sus trabajos en solitario así como apadrinar a artistas de su interés. “Cómo pica el sol”, su segundo álbum en solitario, es el primer lanzamiento de este recién nacido proyecto.
Mientras tanto, Javier Campillo se dedica a la producción de artistas como Miguel Dantart o El Hombre Gancho. En paralelo, sigue experimentando musicalmente como parte integrante de un proyecto destinado al mercado independiente, el grupo de pop electrónico Building Fourteen.
En el 2006 Tam Tam Go! firma contrato discográfico con Dro Atlantic. El 27 de febrero de 2007 sale a la venta “Euphoria”, que supone el regreso de Tam Tam Go! tras seis años sin lanzar material inédito. Su primer single es "El Móvil de Lucifer".

Discografía:
‘Spanish shuffle’ 1987
‘Spanish romance’ 1988
‘Espaldas mojadas’ 1990
‘Vida y color’ 1992
‘Nubes y claros’ 1999
Miscelanea 2001
‘Cruzando el río’ 2006
‘Euphoria” 2007

Vargas Blues Band: The Best

2007-12-25T13:04:00.001+01:00

Javier Vargas nació en Madrid y siendo aún un niño se trasladó a Argentina donde aprendió a tocar la guitarra a los doce años. Posteriormente residió en Venezuela hasta que decidió viajar a Estados Unidos, donde entró en contacto con los ambientes de la música que admiraba. Residió en Nashville, Nueva York y Los Ángeles tocando con grupos en todo tipo de clubes y como músico de sesión. En 1977 regresó a España y se dedicó a tocar y componer para artistas de primera fila, hasta que a principios de los 90 decidió dedicarse de lleno a su carrera. En 1991 formó su propio grupo, VARGAS BLUES BAND, con el que ha publicado hasta la fecha seis álbumes (el ultimo, doble). Su primer album ALL AROUND BLUES, se grabo como un proyecto en solitario con el nombre de VARGAS BLUES BAND y con colaboraciones como Elena Figueroa y Phillip Guttman, entre otros.
En 1992 aparece el segundo, MADRID MEMPHIS (Discos Dro), en el que colaboraron los bluesman's Carey Bell y Louisiana Red, el guitarrista de flamenco Rafael Riqueni y las voces de Philip Guttman y Jeff Espinoza. Estos dos albumes tuvieron una gran repercusion en el mundo artistico nacional y consiguieron en España cifras de ventas record para un disco de blues. En febrero de 1994 se publica el tercer album, BLUES LATINO, en el que colaboraron Flaco Jimenez, Chris Rea, Junior Wells y Andres Calamaro, entre otros. El album consiguio una gran aceptacion por todo tipo de publico. El tema "BLUES LATINO" de Javier Vargas, fue grabado por Carlos Santana y publicado en todo el mundo dentro de su album SANTANA BROTHERS.
A raiz de la publicacion de los tres albumes del grupo en Argentina, en octubre de 1994 se presentaron por primera vez en Buenos Aires con un rotundo exito de publico y critica. En mayo de 1995 graba su cuarto album, TEXAS TANGO, en los estudios Ardent de Memphis (Tenessee) y en Austin (Texas). El album fue producido por Jim Gaines, contando con la colaboracion del grupo de STEVIE RAY VAUGHAN, (Double Trouble), Larry T. Thurston (Blues Brothers) y Preston Shannon, entre otros. El album se ha publicado en Francia Suiza, Colombia, Mexico y Brasil. En 1996 se presenta en directo con su banda en Paris. Actua en varios festivales de Francia, Portugal y en el festival de jazz de Montreux (Suiza) En Julio es invitado por Carlos Santana para tocar con el durante el concierto celebrado en el ZENITH de Paris. La pasion y feeling que transmitia el duo de guitarras enardecio al publico frances.
A principios del 1997 se publica su quinto album, titulado GIPSY BOOGIE grabado entre Madrid y Memphis (USA), mezclado en Florida y masterizado en Nueva York. Como suele ser habitual en los trabajos de Vargas Blues Band, el repertorio esta compuesto por una mayoria de temas originales de Javier Vargas y Jeff Espinoza , ademas de alguna version de temas clasicos del blues con la particular fusion de flamenco y blues que aportan los artistas invitados que colaboran en el album.
En 1998 aparece el doble album FEEDBACK-BLUESTROLOGY (doble en las primeras 10.000 unidades, el resto solo FEEDBACK) con la aportacion del cantante americano Bobby Alexander y del cubano David Montes, con temas nuevos y una gira demoledora llamada tambien FEEDBACK TOUR. En Mayo del 2000, aparece , por fin, su disco en directo grabado en Chicago, en el BUDDY GUY'S LEGEND, con el titulo VARGAS BLUES BAND MADRID - CHICAGO LIVE.
Javier Vargas ha editado un total de 15 discos propios. Creo que este con sus grandes éxitos es una perfecta menerade adentrarase en la música de este profesional artista de la guitarra que ha sabido transmitir con su música , las posibilidades del blues, el pop y el rock con artistas nacionales

El disco VARGAS BLUES BAND: THE BEST

Natalie Cole: Unforgettable with Love

2007-12-19T19:18:00.001+01:00

La hija de Nat King Cole se mantiene en primera fila del negocio desde hace más de 30 años a pesar de todos los hándicaps, desde el ser 'hija de' hasta la supuesta frialdad de una capacidad vocal que le sirve para desenvolverse por distintos estilos: jazz, soul, pop, gospel... Nacida en Los Ángeles, California, en 1950, la primera parte de su carrera, desde 1975 a 1991, apuntó al mercado rhythm and blues, o sea a la música negra. Obtuvo una considerable colección de éxitos, entre ellos uno por su adaptación del 'Pink Cadillac' de Bruce Springsteen en 1988.
Su destino cambió en 1991 con el LP 'Unforgettable: With Love' (Elektra), un tributo a la elegancia jazz de Nat King Cole. Mereció varios Grammy y vendio más de cinco millones de copias gracias a la 'colaboración' de su difunto padre, conseguida por los técnicos de grabación, que recuperaron pistas de la voz de Nat Cole en la canción 'Unforgettable' y la cruzaron con las de la hija en un falso dueto. La maniobra escaló al número 1 de las listas pop y desde entonces Natalie se especializó en jazz-pop comercial y amable, suntuoso y suavito.
Desde 2002 edita en el sello Verve, poseedor del catálogo más grandioso de jazz clásico. "Leavin" es el segundo cedé para la marca. Otra colección de versiones (Sting, Neil Young, Aretha, Kate Bush...), igual que el previo, 'Ask a woman who knows', jazzie él. En cambio 'Leavin'' aprieta en el soul canónico (reflejos de Marvin Gaye y Al Green, Supremes y Gladys Knight, Ted Hawkins e Isley Bros.) a los que los productores sólo barnizan.
DESCARGA: UNFORGETTABLE

Presuntos Implicados: La Noche

2007-12-19T09:20:00.001+01:00

Prefiero no explicar esta vez la historia de Presuntos implicados. Solo puedo decir que es mejor acudir a la tradicional página de WIKIPEDIA y buscar allí todo lo relacionado con esta fantástica banda Española. Esta vez voy a centrarme en lo que supuso la grabación de este doble CD ya que me parece que resume, con amplia calidad, lo que intentaron a lo largo de su carrera musical. Es una banda que comienza haciendo una música que es España era complicada de hacer llegar, al menos en nuestro idioma, pero ellos sobrevivieron, y con excelente dignidad, a este handicap. Todo esto no fue nunca un problema, superaron pasos tales como encontrar multinacional que les grabara y apoyara, encontrar público inseparable, encontrar mercado y sobre todo encontrar la confrontación calidad-respeto que un grupo así se merecía. Por tanto tras casi diez años de carrera, se deciden a hacer este doble CD que es una apuesta por los sonidos siempre soñados por ellos, jazz puro, latin-jazz, sonido de quinteto tradicional y big band. Con colaboraciones de tres estrellas como son Teo Carralda (Ex de Golpes Bajos y Ex de Cómplices) Ana Torroja la cantante de Mecano y la más que interesante, MISS RANDY CROWFORD, que junto a Soledad Jiménez inventan una inigualable versión del “Fallen” (BSO: Pretty Woman) que hicieron de esta interpretación, todo un clásico. En definitiva, no sé si será el mejor disco de “Presuntos” pero es, desde luego, el más personal y el más significativo. Hay que tener en cuenta que a partir de este CD, editaron otros siete discos, claro que como ya se han deshecho pues tres de esos siete son recopilaciones (lógico). IMPORTANTISIMO: esta versión descargable que tenéis disponible es el Doble CD original, con carátulas y además hay que tener en cuenta que ya está descatalogado.
DESCARGA: LA NOCHE: PRESUNTOS IMPLICADOS

Randy Crowford: The Ultimate Collection

2007-12-17T12:48:00.000+01:00

Nació en Macon (Georgia, EE UU). Su carrera musical empezó a ser conocida, internacionalmente, tras ponerle voz a una canción de The Crusaders llamada Street life. Pero la trayectoria de Randy estaba ya plagada de títulos. Su primer single en solitario fue If you say the word, tras el cual vinieron años de éxito para esta cantante que compartió escenarios con astros del jazz de la talla de George Benson o Cannonball Adderly. En 1976 publicó su primer álbum, Everything must change. Ya en los años 80 temas como la balada One day I’ll fly away se convierte en todo un éxito y en un tema, casi insignia, de la cantante. Se ha atrevido también con versiones cómo Knockin' on heaven's door, de Bob Dylan, que se incluyó en la BSO de la película Arma letal 2. Ya en 1995 grabó Kaned and true y participó en la grabación del álbum La noche de Presuntos Implicados. Crawford cantó a dúo con Sole Giménez el clásico de Lauren Wood, Fallen. Actualmente va de gira con Joe Sample, el que fue pianista del grupo Crusaders, y uno de los mayores representantes del jazz fusion. Se le conoce como una de las leyendas de la música popular negra. Lleva más de treinta años en la música, y ha tocado prácticamente todas las categorías, (sobre todo, jazz, soul y R&B). , Crawford ha obtenido más reconocimiento en Europa que en su América natal, ha compartido etapas con los músicos más famosos del jazz actual tales como Cannonball Adderley, George Benson, y Quincy Jones.
Ella está siempre dispuesta a interpretar cualquier estilo del jazz, del Soul, del R&B, melodías del estallido, baladas excelentes sin tener miedo a ningún estilo, ella se siente conectada con la música y las líricas en cada tema

RANDY CROWFORD: THE ULTIMATE COLLECTION

Tony Santos: Alma Negra

2007-12-15T19:42:00.000+01:00

Nacido en Tenerife, Tony Santos empezó cantando en el coro de la iglesia a los 13 años y a los 20 formó parte del Coro Universitario durante algunos años, creció al son de canciones de Mariah Carey y Boyz II men, algunas de sus influencias más directas.
Nunca se imaginó que terminaría haciendo lo que más le gustaba en la vida y en verano del 2002 abandonaba sus estudios para pasar los duros castings de un programa televisivo. Desde su aparición en el programa OPERACION TRIUNFO 2, Tony Santos destacó por su particular e internacional voz, que combinaba el SOUL, con los timbres y sonoridades contemporáneos y comerciales del R&B. TONY SANTOS es uno de los primeros artistas españoles que hicieron posible que el SOUL y el R&B se escuchara en España de un modo masivo y en castellano. De imagen atractiva, joven y moderna este tinerfeño afincado en Barcelona es hoy ampliamente conocido en España y Latinoamérica.
En febrero de 2003, graba su primer single "Un hombre así", el cual se pone a la venta y con él logra vender más de 200.000 unidades, lo que le lleva más tarde a grabar su primer disco. Su álbum debut titulado "ALMA NEGRA" (2003) fue un rotundo éxito, tanto de ventas como de críticas. Más de 120.000 copias vendidas, disco de platino y número uno en las principales emisoras radiofónicas nacionales. Con su primer disco realizó varias giras actuando por toda la geografía Española y participó en varias campañas PUBLICITARIAS, con lo que el canario se convirtió en la imagen de MCDONALS con la canción "I'M LOVIN IT", en la que puso voz al tema principal del anuncio publicitario.
Ahora en el 2007 después de un tiempo de reflexión y composición sin editar disco en el mercado TONY SANTOS vuelve con un nuevo trabajo discográfico bajo el brazo, titulado "SEXY".

Hoy quiero que escuchéis su álbum de debut: ALMA NEGRA , es sencillamente exquisito, música española del R&B con sabor a caviar del bueno. Insólito porque siempre pensamos que en España esto no se hace y menos que pueda quedar bien. El resultado es fabuloso.

Disfruta con TONY SANTOS ALMA NEGRA

Incognito: Jazz Funk

2007-12-15T19:27:00.000+01:00

Incognito es el proyecto liderado por el británico Jean-Paul Maunick, conocido también como Bluey. Forma parte del quinteto de imprescindibles del acid jazz (junto a Jamiroquai, The Brand New Heavies, Corduroy y The James Taylor Quartet), estilo del que es un referente ineludible y que ha contribuido a definir y a popularizar. Su música es, por tanto, una fusión de jazz, funk, soul, disco, bossa/samba, house y ritmos dance. Aunque las bases de algunos temas utilizan bases electrónica de house, es la suya una propuesta fundamentalmente acústica, perfecta para los amantes de la música negra con reminiscencias de los 70 pero con la modernidad de la música de baile de principios de los 90. Muy posiblemente sea el grupo perfecto para quien quiera introducirse en el acid jazz, o para quien ya sea amante convencido del estilo, porque hasta ahora no han editado ni un solo álbum prescindible (ni parece probable que pueda ocurrir), todos son magníficos y algunos de ellos se cuentan entre las obras maestras del acid jazz y de la música negra en general.
Incognito fue fundado por Jean-Paul Maunick y Paul Tubbs Willliams, ambos integrantes del grupo de disco-funk Light Of The World, activo a finales de los 70. Con la llegada de los 80, tras la edición del tercer LP de Light Of The World, Check us out, disuelven la formación y crean Incognito, editando en 1981 su álbum debut, Jazz-funk. Después de 10 años de inactividad, el gurú inglés Gilles Peterson, fan reconocido del grupo, propone a Maunick (único líder del grupo tras la marcha de Williams a Finlandia) la grabación de un nuevo LP para su recién creado sello Talkin Loud, lo que deriva en la edición del segundo trabajo de Incognito, el magnífico Inside life, de 1991, un clásico en el que se dieron cita algunos de los mejores músicos de la rica escena británica.
A partir de ese momento la obra de Incognito no ha parado de crecer a un ritmo impresionante, de tal modo que todos los años llega a las tiendas alguna novedad del grupo británico. Tribes vibes and scribes, de 1992, fue la primera colaboración de la cantante Maysa Leak, un álbum en el que se incluye la brillante versión del clásico de Stevie Wonder Don’t you worry ‘bout a thing, un éxito tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, aunque su mayor éxito comercial hasta el momento es su cuarto disco, Positivity (1993). Su discografía sigue creciendo con 100 and rising (1995), Beneath the surface (1996), Remixed (1996), un disco con remixes de los temas de Incognito a cargo de artistas como Masters At Work, Roger Sanchez o David Morales, Blue moods (1997), recopilación de los mejores temas instrumentales, Last night in Tokyo, live 1996 y Greatest hits (1998 ), No time like the future (1999), Future remixed, con remixes de Jazzanova, Blaze, Masters At Work y United Future Organization, entre otros, y The best of Incognito (2000) y Life stranger than fiction (2001). Hasta aquí duró su época en el sello Talkin Loud, ya que su noveno álbum de estudio, Who needs love, del 2002 (en el que contó con la colaboración vocal del brasileño Ed Motta), fue editado por Rice Records, el sello creado por el propio Jean-Paul Maunick, con distribución de Dome Records. Su discografía se completa con Love x love. Who needs love remixes (2003), con remezclas a cargo de artistas como Kyoto Jazz Massive o Danny Krivit, Aventures in black sunshine (2004), con Eleven, su undécimo álbum de estudio, en las tiendas desde el 31 de Octubre del 2005, que acaba segundo en los I Premios Acid Jazz Hispano 2005, y con Feed your soul, un disco con remixes de temas de Incognito y de artistas del sello Rice Records. A finales del 2006 edita Bees + things + flowers, trabajo nominado en los II Premios Acid Jazz Hispano 2006 como Mejor Álbum.
Fuente: http://www.acidjazzhispano.com/
Web oficial: http://incognito.org.uk/

Descarga:INCOGNITO JAZZ FUNK

Ayo: Joyful

2007-12-11T10:47:00.001+01:00

"Joyfull", 50 minutos y doce canciones impecables de una compositora y cantante llamado Ayo, un ejemplo de honradez, alma, "saber hacer", sentimiento, conocimiento musical profundo, libertad creativa, belleza y estilo. Hija de un estudiante nigerianoinstalado en Colonia, Alemania, en los 70´, y de una mujer gitana, descubre la buena música gracias al trabajo eventual como DJ de su papá, y a la colección de vinilos que recopila en casa: Fela Kuti, Bob Marley, Jimmy Cliff, Donny Hathaway, o el rey de la música jujú Prince Sunny Adé. Ayo, nacida en 1980, dice gustar de la libertad, de la vida nómada, del espíritu cosmopolita, y tal vez por ello disfrute sobre todo en Nueva York, auténtico lugar de encuentro de culturas, de Londres, donde pasó los primeros años de aprendizaje vital por libre, o de París, donde reside temporadas y donde se siente "como en casa". Pero quiere algún dia volver a su tierra, a Nigeria, no en vano si Ayo significa "Diversión, alegría", en Yoruba, su nombre intermedio, Olasunmibo, en Yoruba significa "Ella, la nacida en cualquier sitio, pero que volverá llena de prosperidad". Qué bonito, dan ganas de volver a creer en la música y en el mundo.

A mi me recuerda a veces a Roberta Flack, a Nina Simone en el alma que le pone, a Sade en la delicadeza, a Bob Marley en el feelin´ reggae, y a bastantes cosas más, como Ben Harper o Amos Lee, pero tiene a sus 26 añitos una personalidad propia, que es lo más difícil. Escuchadla con calma, por favor.

Con este estilo de vida de nómada, ahora vive entre Paris y Nueva York, dos capitales que con presión resumen su identidad musical. Su álbum fue grabado en Nueva York casi en directo en sólo cinco días. El resultado es una colección de canciones agridulces, doce canciones llenas de sus experiencias y de las de la gente con la que se ha cruzado en el camino. Llora, ríe y nos mueve con ella con absoluta sencillez. Se esfuerza por compartir, de forma natural y sincera, sus historias para poder llegar a los demás, movida únicamente por sus experiencias en la vida y por sus sueños.

Area Reservada 1, 2 y 3

2007-12-09T20:15:00.000+01:00

Tengo que reconocer que se acabó una época en la radio en España . Con Área Reservada , programa que vivió durante los últimos 17 años en Radio 3 y en la corporación RTVE tanto en la TV como en Radio 3, finalizó la carrera en las ondas públicas de su presentador ANTONIO FERNANDEZ. Recuerdo con apenas 16 o 17 años allá por 1977 ó 1978 escuchaba Radio Juventud de Madrid un programa cada mañana de casi 4 horas que hacía lo que nadie se atrevía "Huir de la radio-fórmula" . ¿Y cómo se hace?. Pues sencillo, escojo los 15, 20 ó 25 discos de mayor calidad que estén editados en la actualidad y los enseño de cabo a rabo pinchando cada día 4 canciones a veces iguales a veces distintas pero enseñando a paladear cada disco, a encontrara los puntos de calidad, aprendiendo a fijarse en los arreglos, la producción , los músicos, las aportaciones extraordinarias, y de alguna manera a llevar la calidad en la música como única bandera en una radio que ya se alejaba de tintes comerciales. Antonio Fernández conducía aquel "Selección 15" que no pude volver a escuchar cuando me fui a vivir a Valencia (España) pero me sorprendió que tras un tiempo apareció en la TV1, primero y después en Radio 3 con su AREA RESERVADA. He buscado mucho en Internet acerca de este programa y son miles y miles los que hemos sido sus seguidores. Este es mi homenaje a este programa ya desaparecido, fruto de los expedientes de regulación de empleo que con carácter voluntario, algunos han aceptado en RTVE. Estos tres discos fueron editados para goce y deleite de la población y son un ejemplo claro de lo que en aquel programa se escuchaba.

Antonio, te esperamos pronto. Y si quieres páseate por el Blog de su programa AREA RESERVADA y comprobarás que no soy un loco sino que miles y miles de agradecidos oyentes alabamos que un gran presentador nos haya enseñado a escuchar buena música.

AREA RESERVADA 1
AREA RESERVADA 2
AREA RESERVADA 3

Grover Washington, Jr.: Winelight

2007-12-09T13:45:00.000+01:00

Grover Washington, Jr., era un talentoso saxofonista de Jazz que además fue pionero de un nuevo estilo creado por él mismo llamado "Smooth Jazz" (Jazz liso o plano).Nacido en una familia de fuerte inclinación musical, su padre era saxofonista, y su madre cantaba gospel en el coro de la Iglesia, el saxofonista, Grover Washington Jr, cursó en la adolescencia estudios de piano y continuó su formación en los grupos de rhythm and blues y en los tríos de órgano de los sesenta. Su relación con el jazz se inicio con los organistas, y en especial con John Hammond, con quien grabaría el disco "Breakout", que le abrió las puertas de la fama.Siempre había tratado su música como un viaje personal de evolución, comenzó con el más puro Jazz y terminó mucho más cerca, en su carrera musical, del R&B .Después de pertenecer al grupo de Billy Cobham "Jazz Interactions", grabó con otro organista, Charles Earland, y se inició como líder en los estudios de grabación con el álbum: "Inner City blues" grabado en 1971, para la serie de jazz del legendario sello "Motown"; una sesión programada en principio para su maestro Hank Crawford. Aunque no fue hasta 1980 cuando alcanzo su máxima expresión artística con el disco grabado para el sello Elektra titulado: "Winelight", un álbum de fusión, con el que da el paso más importante de su carrera musical. Obtiene en ese mismo año (1980) 2 premios Grammy y esto provoca un punto de inflexión en su carrera. Se atreve a partir de ese momento, con ritmos más bailables y con otros registros sonoros, lo que le va alejando de su base que era el jazz, eso le hace dedicarse a producciones más comerciales y a NO tocar sino a producir a otros artistas, lo que le aleja de los escenarios y cae en el olvido de los aficionados. Eso no es óbice para opinar que este "Winelight" es un disco perfecto, importante en la historia de la música e imprescindible en cualquier colección personal

WINELIGHT

Samba pa ti: Un tributo a Brasil

2007-12-07T10:04:00.001+01:00

Reunir en un solo disco a tantos artistas españoles de tan variados estilos, cantando todos un solo estilo totalmente ajeno al trabajo habitual que ellos hace es algo, bastante complicado. Y que ese trabajo, finalmente resulte, algo más que una curiosa grabación es una tarea, yo diría que casi inenarrable. Pues aquí esta el resultado: Jarabe de Palo, Rosario, David Demaría, Carmen Paris, Lolita, Monica Naranjo, Alejandro Sanz, Lucrecia, Antonio Vega, Presuntos Implicados, Jorge Drexler, Melendi, Ana Belen, Martinez Ares,Café Quijano, Pastora Soler Y Javier Alvarez son los integrantes de este recopilatorio que al menos por su curiosidad inicial, merece la pena unos minutos de escucha. Todos ellos honran con su música a clásicos de la samba de Brasil como Caetano Veloso, Gilberto gil, Toquinho,Milton Nascimento, Djavan, María Bethania, Carlinhos Brown, Belel Gilberto... El resultado a mi me ha vuelto loco por que opino que de la música de Brasil hay mucho que aprender y mucho que escuchar, esta quizás, sea una correcta manera de acercarse a los sonidos de aquel pais sin tener que adentrarse en profundidad con los artistas de allá y luego elegir a quién escuchar más a fondo.
SAMBA PA TI: UN TRIBUTO A BRASIL

Peter Cincotti: On the Moon

2007-12-07T09:48:00.000+01:00

Peter Cincotti, un joven artista que ha conseguido hacerse un nombre entre los más destacados del jazz y el pop actual. "On the Moon" es el segundo álbum de este músico americano que destaca no solamente como cantante, sino también como compositor y arreglista. El disco debut de Peter Cincotti, aclamado por la crítica, fue un éxito rotundo. Además, Peter Cincotti ha tocado regularmente con su mayor mentor, Harry Connick Jr. y ha estudiado con David Finck y James Williams, dos grandes maestros del jazz contemporáneo. Cincotti demuestra su talento como compositor y arreglista con canciones soberbias como "On the Moon" y la emocional "He's Watching," haciendo gala de su personal estilo a la hora de escribir su propio material.
Peter Cincotti captura un sentimiento de cercanía, intimidad y calidez en todas sus canciones. La gran esperanza blanca. En el primer trimestre del año 2005, se dió una de esas circunstancias que, en el mundo de la música, marcan hitos. Algo similar a si en el atletismo o la natación se batiera un record del mundo: por primera vez y en mucho tiempo, un debutante encabezaba la lista de discos más vendidos en el terreno del jazz. Pero eso no era lo nuevo: quien lo hacía era un vocalista y, encima, blanco.
Convendría recordar que, dentro de este arte, los vocalistas blancos quedan apartados hasta el último rincón del cuadrilátero: en el centro está el actual ejército de cantantes pálidas como la nieve, un poco más hacia los lados la élite histórica de las vocalistas negras; algo más allá los chicos y, casi fuera del recinto, los blancos. El jazz vocal no ha sido terreno abonado para esta raza si exceptuamos los casos extraordinarios de Frank Sinatra o Tony Bennett. Peter Cincotti, un neoyorquino que aún no ha alcanzado la veintena de años, ganó por K.O. técnico a dos de los más grandes aspirantes al título actual de los pesados: el propio Bennett (aún en activo y en un momento fascinante) y a la todopoderosa Diana Krall, absoluta dominadora del ranking desde que bajó a los USA desde su Canadá natal. ¿Estamos ante un nuevo superdotado? ¿Un genio?. Es fantástico.
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Lito Vitale: La Senda Infinita

2007-12-07T09:25:00.000+01:00

Lito Vitale es uno de los músicos más desconocidos y a la vez prolíficos del panorama musical argentino. Nacido musicalmente de las raíces más profundas de la música clásica, Lito desde muy joven, mantiene una inquietud muy importante por la música de calidad. El jazz, la música de raíces argentinas, el swing, y los sonidos de la "new age" son los componentes más importantes de sus creaciones. A día de hoy lleva más de 25 discos editados en todo el mundo. Prolífico en sus actividades, prolífico en sus colaboraciones musicales y hasta cinematográficas, es un artista que ha sabido fusionar el rock, los sonidos del jazz, la música clásica en esencia, los sonidos folclóricos, el tango y las alegorías a una argentina natal que marca todo su estilo. Es, francamente, interensantísimo de cabo a rabo. Esa quizá sea la dificultad para ubicarlo en un casillero: no hace rock, ni folclore, ni tango, ni jazz ni música clásica, pero tiene algo de todo eso y suena argentino. Recomendaría en todo caso, que os interesarais por su biografía musical que aparece en multitud de páginas de Internet, para ver lo intenso de su trabajo y lo que aportó, aporta y sigue aportando desde Argentina a la música de todo el mundo.

La Senda Infinita, es un disco bello, cuidadísimo, suena a aires Argentinos, melancólico, evocador, sereno, bien elaborado, muy bien arreglado y tremendamente coherente. Es, diría yo, la manera más agradable de acercarse a Lito Vitale y su música. Disfrutemos pues, con este artista.

LITI VITALE

The Best of KITARO

2007-12-06T23:25:00.000+01:00

Decir Kitaro en le mundo de la mñusica es hablar del creador de la llamada "New Age" el sonido de la nueva era. Japonés de costumbres tremendamente tradicionalistas se adentra en la música como multi-instrumentista y recorriendo el mundo entero en busco de una identidad sonora que ha obtenido con el reconocimiento por cada pais donde ha viajadao. Sus orígenes se basan en el descubrimiento y aprendizaje de sonidos con un sintetizador, pprobaba sonidos, que en un principio no creaban sesnasiones musicales sino puramente sonoras, sonidos más cercanos a la vida y la naturaleza, pero tras un viaje a Alemania, descubre ayudado por otros músicos que el sintetizador da a la música la respuesta que él tanto anduvo buscando y gustando.

Es imprescindible escuchar a KITARO para hablar de "New Age" y de los actuales sonidos "Chill-out". Y deleitarse con esta belleza de obra que recoge lo más significativo de este artista. Yo os recomendaría que visitarais en la enciclopedia de Internet Wikipedia: http://es.wikipedia.org/wiki/Kitaro algo más acerca de este curioso artista Japonés.

KITARO

Michael Buble: It´s Time

2007-12-06T23:18:00.000+01:00

La introducción de Michael Bublé a la música, vino a él a través de su abuelo, quien llenó los oídos de su nieto de los sonidos los hermanos de los molinos, de Ella Fitzgerald, de Frank Sinatra, y de tantos otros. Entonces Bublé absorbió con impaciencia las grabaciones, comenzó a realizar su deseo de ser cantante y que este estilo de la música, virtualmente extranjero a su propia generación, era lo que él deseaba realizar. Con la ayuda de su abuelo, Bublé pronto aprendió un catálogo entero de consonancias y ganó experiencia y la exposición cantando como "invitado cantante" en varias bandas locales. Mientras que corrían sus años adolescentes, iba ganando en la búsqueda del talento de la juventud de este canadiense, lanzaba varios álbumes independientes, y realizó en un "remake" musical que tituló "The Swin" viajando por los E.E.U.U.. No pasaría mucho tiempo, antes de que Bublé fuera presentado al productor ganador de un "Grammy" David Foster y firmó su primer contrato importante con la discográfica "Reprise". Los dos canadienses comenzaron el trabajo sobre un álbum que en principio incorporaría la aptitud de Bublé para los estándares del estallido en las canciones que atravesaron varias décadas. Su primer disco fue lanzado a principios de 2003 y ofrecía viejos estándares como "fiebre" y "la manera que usted mira esta noche" así como obras clásicas más nuevas como "Moondance" de Van Morrison y la abeja el Gees "cómo puede usted reparar un corazón quebrado." Da la vuelta al mundo entero, trabaja en varios programas de fama de la televisión como el Today Show de la NBC, en la cual él cantó un dueto con el anfitrión Katie Couric. Acabó el 2003 con un EP de material de canciones navideñas, y comenzó 2004 con un "en vivo" en formato CD/DVD. En 2005, ITS TIME era un numero uno de impacto en Canadá, Japón, Italia, y Australia e hizo TOP TEN del Reino Unido y de los E.E.U.U.. Su último trabajo "call me irresponsable" junto con distintas y relevantes actuaciones al lado de otros artistas y colaboraciones especiales para otras ocasiones, hacen de Michael un artista totalmente consagrado con tan solo 3 ó 4 discos en el mercado. El disco que hoy os acerco "IT´s Time" es la mejor manera de adentrarse en un artista actual cantando un estilo tan difícil como es el "Swing".

SABOREALO: MICHAEL BUBLE

100% R&B en Español

2007-12-06T22:42:00.001+01:00

100% R&B en Español es una recopilación en un doble álbum de los artistas que en España cantan, componen y viven en R&B. Parece una labor imposible, pero resulta que este es un extraño recopilatorio que tiene calidad por los cuatro costados. La idea de este disco nace a partir de una conversación que mantienen Tony Aguilar, ex-locutor de LOS 40 PRINCIPALES y el "triunfito" (Operación Triunfo 2) TONY SANTOS, hasta entonces, único cantante reconocido de R&B en español. Y el disco da en el centro de la diana. Hay unos cuantos y muy buenos cantantes de este estilo en España, !Quién nos lo iba a decir!.

Esta es una excelente oportunidad de escuchar el mejor R&B en Español y va a ser una sorpresa muy especial, nuna te imaginaste que en español sonaría tan, tan bien.

DISFRUTALO: DESCARGA AKI

D Train: Grandes Éxitos

2007-12-06T22:30:00.000+01:00

D Train es un grupo, inicialmente, de sonido "Soul" formado en una High School de Brooklyn (New York) a finales de los 70. James "Train" Williams, líder y vocalista de la banda, y un tal "aleros 111" Hoovert (Teclados, bajo, batería y arreglos) comenzaron, a trabajar juntos en el entorno colegial de New York a principios de los 80 gracias principalmente a su reputación colegial y coral en su ciudad lo que les permitió firmar por la reconocidísima compañía discográfica EPIC/PRELUDE aunque de manera sorprendente su primer gran éxito lo obtienen en el Reino Unido siendo TOP nº 3 de las listas britanicas con el tema "You are the one for me" Exito top nº 1 en todo el mundo en pistas de baile del año 1982, a lo que le siguen éxitos internacionales en sucesivos veranos como "Keeps giving me love" y otros así como las sucesivas remezclas de su primer éxito antes citado. En los años sucesivos se hacen los reyes del sonido Funky americano en Europa con canciones de estrellato que les llevan a los más altos puestos de los TOPS de musica Funky de todos los paises. A principios de 1986 su lider James Williams desea volar solo y emprenda su carrera en solitario pero sin éxito alguno, es mas, solamente puede vivir de mezclar, remezclar y reversionear las canciones de su proyecto "D TRAIN". Como productor trabaja para artistas del sello "Atlantic" como Teddy Pendregrass, el afamado DJ Bob Sinclair y más recientemente para uno de los últimos trabajos de Vanessa Williams "Eternal Love". D TRAIN es una banda espectacular del Funky más puro, reventaba pistas de baile y llenaba de estribillos, cuñas radiofónicas y anuncios de TV por cualquier país. Su sonido nos hará recordar los momentos más crecientes del mejor FUNKY americano. Por cierto este disco que hoy pongo a vuestra disposición incluye TODOS los temas que fueron éxito de esta banda para que nadie eche en falta ninguno.

A tu disposición: GRANDES EXITOS DE D TRAIN

B S O: Los chicos del coro

2007-12-06T15:37:00.000+01:00

"Los chicos del Coro" es una bellísima banda sonora de la película del mismo nombre estrenada en España a finales del 2004 y que tuvo más que por la propia película, un éxito arrollador, por la propia banda sonora. Es una sorpresa poder observar como las llamadas "voces blancas" pueden llegar a crear melodías tan acústicas y agradables. Es de esos discos extraños que nunca imaginas que van a llevar tantas sorpresas dentro. Es delicioso deleitarse con una hora de música de estos chabales cantores, que de la mano de una excelente batuta, llegan a obtener instantes sublimes. Sus voces son un canto al deleite de los sentidos y a los recuerdos de adolescencia en colegios perdidos de la geografía de cada individuo. Relájate escuchando a :

LOS CHICOS DEL CORO

112: Part III

2007-12-06T15:24:00.000+01:00

112 o mejor dicho "One tweleve" (Uno doce) que no es ni más ni menos que el número internacional de emergencias, es el nombre de una banda de cuatro artistas de color norteamericanos, de Atlanta (Georgia) con estilo R&B, y que principalmente, son conocidos por sus singles "Anywhere", "Dance With Me" o "U Already Know", y por la colaboración en el ‘superhit’ "I'll Be Missing You" donde actuaban junto a Puff Daddy y Faith Evans. El tema ganó un Grammy en 1997. Antiguamente trabajaron para Sean "P. Diddy" Combs' en Bad Boy Records, pero en 2000 el grupo dejó la compañía para enrolarse a Def Soul. El grupo está compuesto por Daron Tavaris Jones, Michael Marcel Keith (aka Mike), Quinnes Diamond Parker (aka "Q") y Marvin Eugene Scandrick, III (aka "Slim"), todos ellos, amigos desde la infancia y han estado cantando juntos desde el instituto. Todos empezaron a cantar a temprana edad en el coro de la iglesia. Su uso de las voces como "instrumento" clave en sus actuaciones les ha llevado a ser una banda de prestigio mundial, siendo unos de los pocos que utilizan la "acapella" como clave en sus actuaciones en directo para demostrar que lo suyo en los discos NO es una falacia. Exquisita brillantez en sus voces te llevarán a deleitarte con una cuarteto de color que todo lo que han tenido de desconocidos, lo tienen de calidad.

Deléitate con 112

Delegation: Eau de Vie (Agua de Vida)

2007-12-06T12:13:00.000+01:00

DELEGATION es una banda de clásico sonido Funky tremendamente elegante y de sonidos muy cuidados, en este caso del Reino Unido, compuesta por Rick Balley, Len Coley,Roddy Harris. Ricky Balley fundó a DELEGATION en el Reino Unido en 1975, grupo del tres hombres que cambió a miembros con frecuencia con Balley la única constante. Balley, natural de Jamaica, emigró a Gran Bretaña con sus padres como adolescente, residente en la ciudad de Birmingham donde formó a su primer grupo, "los cinco cadetes de la estrella". El grupo de breve duración, proporcionó una experiencia inestimable y ayudó a Balley a formar DELEGATION. Gran conocedor de los sonidos que procedentes de USA, DELEGATION marca una época en los finales de los 70 para dar paso al más puro sonido Funky de la época. Arreglos muy depurados, voces perfectamente acompasadas, motivaciones muy de pista de baile y elegancia en la presentación hacen de esta banda un ejemplo en lo que viene en estilos para los próximos años. DELEGATION es un perfecto ejemplo de buena música Funky.

Disfruta DELEGATION

Alma Chill Out

2007-12-03T20:02:00.001+01:00

Diríamos, que el título del disco lo dice todo, las mejores canciones del flamenco en versión Chill Out. Pues no hay que decir nada más, los sonidos Chill tan de moda actualmente hace 3 ó 4 años llegaron también al flamenco creando una dulce y sincera fusión más propia de estilos procedentes del otro lado del atlántico que de nuestras propias tierras. Y es que el flamenco es tan importante para la música, que todo lo que toca lo hace relucir. Escuchar todas estas canciones tan famosas ahora convertidas al chill out da una dimensión nueva al flamenco. Resultado digno de los mejores "Chefs" de la música.

Pasadlo Bien con el disco.

Descarga ALMA CHILL OUT

The Very Best of Blues Brothers

2007-12-03T19:42:00.000+01:00

Los primeros que pusieron de moda el negro en la vestimenta fueron, los Blues Brothers, una pareja de actores que utilizaba como herramienta de trabajo el humor y la música negra.
Los Blues Brothers utilizaban el socorrido recurso del contrapunto humortístico. Dan Aykroyd era el tipo alto y rígido, de cara circunspecta y escasos gestos, parco en palabras que sólo hablaba cuando debía sentar cátedra; John Belushi en cambio era rechoncho y parlanchín, un torbellino de muecas, sonidos guturales y ademanes excéntricos, muchos de ellos geniales y desternillantes, que otorgaban un toque de improvisación y chispa al espectáculo.
Al parecer en su vida privada eran igual de diferentes. Dicen las malas lenguas que Aykroyd era tan soso en su intimidad como en sus números e interpretaciones, mientras Belushi llegó a confundir realidad y ficción y trasladó todos sus desmanes y excesos actorales al camerino, convirtiendo cada noche en una orgía lisérgica y sexual, un carrusel de juergas que acabó trágicamente pagando a la edad de 33 años.
Por diversión, por emoción, por riesgo, el ciclo vital de Belushi fue más interesante que el de Aykroyd, y no por el dato luctuoso de vive rápido y muere joven, sino por los continuos repuntes de su carrera profesional: alternó enormes triunfos televisivos, como el Saturday Night Live, y cinematográficos, como aquellas comedias disparatadas de universitarios locos, con sonados fracasos, como cuando se introdujo en el terreno del drama.
Y es que Belushi era una gran actor cómico. Sirva como ejemplo la inigualable imitación que le brindó a Joe Cocker en su cara, un catálogo de muecas y gestos mongólicos acompañado de un chorro de voz soulera que dejó al cantante británico sin aliento.
Como en España vamos un poco a rebufo en todo, el nombre y la figura de John Belushi ha quedado muy olvidada, y aquí es más conocido su hermano James, un actor de segunda fila aficionado a empalagosas películas para todos los públicos. Aunque en el fondo se sepa que James era para los Belushi lo que Tony Scott para Ridley Scott: el hermano tonto de la familia.
Este es un disco de Blues y de Rock&Roll disgno de No despreciar, da cabo a rabo.

Descargatelo de la pagina de BADONGO

Propaganda: A Secret Wish

2007-11-30T21:29:00.000+01:00

Este es uno de los grupos que pertenecen al género de los grandes olvidados en la historia de la música, teniendo algunos temas muy reconocibles.
De origen alemán pero afincados en Inglaterra y dedicados al género synth-pop, comenzaron en 1984 sacando su primer single "Dr Mabuse", dedicado al personaje de ficción de Fritz Lang. Este single, que tuvo cierta repercusión, les encaminó a producir su primer album, que encabezaría este segundo single "Duel". Diversos problemas con la discográfica dieron lugar a que se retrasara su lanzamiento, que, si bien se pensaba se produciría a continuación de "Dr Mabuse", no se produjo hasta un año después.
Pero bueno, más vale tarde que nunca. El album finalmente salió al aire unos meses después de "Duel" y con él vino de la mano su otra canción conocida "P-Machinery". Sin embargo, los problemas con su discográfica de nuevo dieron lugar a que los componentes del grupo se cansaran y terminaran cada uno por su lado, a la altura de 1986.
En 1990 el grupo se recompondría con otra cantante, pero más hubiera valido que no lo hubieran intentado. En 1998 lo volverían a intentar de nuevo, esta vez con la cantante original, grabando incluso un video clip pero tras cuatro años de tiras y aflojas al final no sacaron nada al mercado, aunque si se filtraron los temas por internet. En 2005 creo que lo han vuelto a intentar otros dos miembros... en fin, es que cuando las cosas no tiran a la primera, a veces es mejor dejarlas.

Descárgate al menos este disco esencial de los 80 propaganda

Michael McDonald: The Voice of Michael McDonald

2007-11-30T21:05:00.001+01:00

Michael McDonald nació el 12 de Febrero de 1952 en St. Louis, Missouri. Es un cantante de R&B y Soul.
McDonald tocó en múltiples bandas y fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Ángeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes albums como The Royal Scam y Aja.
McDonald se unió a los Doobie Brothers en Abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como "Takin' It To The Streets," "Little Darling," "It Keeps You Runnin'" (usada en la película Forrest Gump), "Minute by Minute" y "What a Fool Believes" (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).
Despues de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:
"I Keep Forgettin'", un dúo con su hermana Maureen, después usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose. "Sweet Freedom", canción de la película de 1986 llamada Running Scared "Take It To Heart" "Yah Mo B There", a dúo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985 "On My Own", con Patti Labelle. llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986 McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. En la actualidad se ha centrado en albums de tributo al sonido Motown. Pero siempre interesante con sus voz y sus interpretaciones, este es un buen album para escuchar con placer.

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AKI

Tracy Chapman: Collection

2007-11-30T20:57:00.001+01:00

Tracy Chapman (30 de marzo de 1964, Cleveland, Ohio), es una cantautora estadounidense. Ganadora de varios premios Grammy y conocida por el éxito de canciones como Fast Car, Talkin Bout a Revolution, Baby Can I Hold You y Give Me One Reason.
Durante sus estudios universitarios, Chapman comenzó a tocar en la calle y en cafés de la ciudad de Cambridge en Massachusetts. Tras su graduación ficho por la compañía Elektra Records, lanzando el disco Tracy Chapman en 1988. El álbum fue muy bien acogido por la crítica, y ella comenzó una gira donde fue captando a un gran número de fans. Tras su actuación en el concierto homenaje a los 70 años de Nelson Mandela, la canción Fast Car comenzó a subir en las listas americanas hasta alcanzar el Top 10. El álbum alcanzaría ventas elevadas llegando al disco de platino y Tracy lograría tres grammys en la edición de ese año.
Su siguiente álbum Crossroads lanzado en 1989 tuvo menos éxito comercial que su predecesor y para el siguiente Matters of the Heart Chapman preparó una gira en recintos de poca capacidad para recalcar el aire intimista del disco. Para sorpresa de la industria musical su cuarto álbum New Beginning, fue todo un éxito comercial que llegó a vender 3 millones de copias tan sólo en Estados Unidos. Este album incluía el hit Give Me One Reason que ganó el Grammy a la mejor canción de Rock del año y se convirtió en el single de mayor éxito de Chapman hasta la fecha. El siguiente álbum fue Telling Stories editado en el año 2000, y que supuso un giro hacia el rock frente al sonido folk dominante en los discos precedentes. Del disco el single Telling Stories fue muy difundido en las radiodifusoras europeas. Su sexto disco fue Let It Rain lanzado en 2002. El último disco de Chapman ha sido Where You Live de septiembre de 2005. Este disco "Collectíon" evidentemente es el mejor resumen de su carrera musical para disfrutar escuchándolo detenidamente

TRACY CHAPMAN: COLLECTION

Nikka Costa

2007-11-30T20:17:00.001+01:00

Corría el año 1980 cuando nos sorprendía en el mercado un disco cantado por una niña que traía las mejores referencias posibles, su padre y a la vez padrino musical era el famoso músico de Jazz Tom Costa, su voz refrendaba una buena labor de estudio y las composiciones preparadas y posteriormente grabadas daban pie a sorprenderse de una manera muy grata. El mayor éxito que tuvo, en su momento, esta preciosidad, se llamaba "On my own" (Por mi misma). Dió la vuelta al mundo, sola y acompañada por su padre y veces por su madre pero de esta joya de disco a su futuro solamente mediaron 2 "LP´s" más que nunca se supo qué fueron de ellos.

Podríamos decir que se hace imprescindible escuchar al menos el "On my Own" de este Cd y después guardarlo, tenerlo y apreciarlo como una joya única de la música. Pero No busquemos nada más de Nikka Costa por que aquí se acabó.

DESCARGA NIKKA COSTA

Gabriela Anders: Wanting

2007-11-29T20:45:00.000+01:00

Gabriela Anders es una cantante de jazz, soul suave de origen argentino y actualmente residiendo en los Estados Unidos. De fuerte influencia familiar con los sonidos del jazz ya que su padre fue músico afamado en su país, argentina, de este estilo bebe de las fuentes más puras de estos estilos. Con tan solo 22 años editó este primer álbum que es una delicia para los sentidos. Gabriela Anders, para que nos entendamos, es la SADE blanca; si te gusta el estilo de Sade Adú, Gabriela no te va a decepcionar, canta en español y en ingles, su voz es dulce y sensual, sus melodías, nacen de un estilo muy purista, se nota que las fuentes musicales de las que ha bebido nacen en lo más profundo del jazz y del blues.

Actualmente tiene editados 4 discos en el mercado que son:

WANTING 1998
ECLECTICA 2000
LATINA 2003
LAST TANGO IN RIO 2004

Hoy traemos el primero "WANTING" que, sinceramente pienso, para empezar a degustar la música de Gabriela, es el mejor, pero prometo que con el tiempo, iré subiendo el resto.

A disfrutar y a descargar de este enlace

GABRIELA ANDERS WANTING

Luis Miguel: Romance

2007-11-25T21:45:00.001+01:00

Vamos a ver: No estoy dispuesto a hablar nada de Luis Miguel, sinceramente, no me importa su vida , ni su belleza ni su fama, ni mucho menos el resto de discos que ha sacado, solamente voy a dar 2 datos y con ellos lo quiero decir todo y nada más. Es artista invitado de Frank Sinatra para cantar a dúo un tema con él, en vida "Come fly with me" y otra cosa aun más importante, si quieres oír boleros como dios manda, de los de toda la vida y como se deben cantar, TE BAJAS EL DISCO Y punto final. SI TE APETECE..., CLARO, porque no hay nadie que cante , en la actualidad, estos temas como lo hace LUIS MIGUEL. En el resto de cosas, repito, no se ni quiero saber, pero cantando boleros o tienes este disco o más vale que no busques nada por ahí...

DESCARGA ROMANCE

Crusaders: Street Life

2007-11-25T21:08:00.000+01:00

The Crusaders surgieron en un instituto de Texas (USA) en 1960, y reunían al pianista Joe Sample, el saxo tenor Wilton Felder y el batería Stix Hooper. La banda siguió al trombón Wayne Henderson hasta L.A. en 1960 y firmó un sustancioso contrato con el sello Pacific Jazz, para el que fusionaban jazz y R&B, con un reconocible trombón y tenor de primera línea como estandarte. En 1979 publicaron su LP “Street Life”, que se convirtió en uno de sus mayores éxitos, aunque también marcó la última grabación de la formación original. Tras el abandono de Hooper, la banda fue desapareciendo paulatinamente.

Para este legendario álbum tuvieron como artista invitada Randy Crowford, que canta el tema que da nombre a todo el disco y que deja una marca personal en la grabación que superó mucho más que fronteras o estilos, pero a Joe Sample esto de no dominar él mismo el disco no le parecía muy acertado y le llevó a ir disolviendo por claros enfrentamientos con el resto de componentes, la banda. A pesar de estos abatares dejan para la historia este "Street life" que supone un antes y un después en el estilo jazz o R&B en los 80.

Descarga A bajarlo DAKI

Mojo Project: Taste the Mojo

2007-11-25T20:55:00.001+01:00

Mojo Project es un experimento Español, concretamente "canario" casi como su propio nombre indica, que solamente llegaron a editar 2 discos y del que de momento NO se ha vuelto a saber nada más. Si bien su carrera musical comienza en el 2003 y su primer disco, este "Taste the Mojo" que se edita en el 2004 fueron una más que prometedora carta de presentación y despues, un año más tarde, apareció un segundo trabajo que ha pasado con mucha más pena que gloria, han creado algunas esperanzas en valores musicales de futuro para el panorama español, bien es verdad que tras esta joya se escondía lo que parecía una banda muy prometedora, buen funk, inteligente R&B, y mejores arreglos y composiciones, llevaron a muchos a creer que este sería un valor de futuro para la música española. No he vuelto a tener noticias de esta banda pero creo que se quedarón con lo puesto. Desde luego este primer álbum es una pequeña joya musical, un disco que escuchado con detenimiento, invita a pensar en artistas de renombre tras un misterioso proyecto. El "proyecto Mojo" es un interesantísimo disco para una buena colección personal.

A Descargar AKI Mojo Project